Lista: 50-41
Lista: 40-31
Lista: 30-21
Lista: 20-11
10. LCD Soundsystem - Sound Of Silver [2007]
Con LCD Soundsystem (2005), James Murphy (y los miembros de la banda) se volvieron influenciantes en el entorno indie de Nueva York (y de Estados Unidos). Con canciones agraciadas de excelente ritmo, letras geniales y energía inagotable, LCD Soundsystem aseguró el camino para cientos de bandas que comenzaron a tomar fragmentos de su música. Por ejemplo, Franz Ferdinand se inspiró en sus trabajos para producir You Could Have It So Much Better (2005), un disco arriesgado que mezcla letras que pasan tanto por el amor como por situaciones cotidianas, y que mezcla el rock indie con el "sonido DFA" (que James Murphy popularizó con su compañía discográfica).
"Sound Of Silver" es la continuación del fenómeno creado por su disco debut (sin contar el disco 45:33 (2006), un disco de remixes). Este álbum destaca por ser un disco más maduro en la producción que LCD Soundsystem (álbum), sonando también menos enérgico, revolucionario y fiestero. Sin embargo, se vuelve un álbum más arriesgado, más divertido y mejor producido (tanto en las letras como en las composiciones instrumentales). Es un álbum denso en capas de sintetizadores, que sorprende en primera instancia con canciones al hueso, donde la voz de James Murphy va mutando de robot a humano. Y este cambio es genial e interesante, sobre todo en el hecho que las letras en Sound Of Silver son más humanas, emocionales y profundas, siempre mezcladas con el poder y estilo punk con el que la banda convive. Bajos disco, baterías complicadas pero bailables y gran cantidad de sintetizadores tocando en partes aleatoreamente por debajo de la voz adulto joven de Murphy provocan una fiebre de baile al punto de explotar. Por último, una gran producción a cargo de la misma banda permite mantener la independencia creativa, por lo que Sound Of Silver se postula como un disco honesto y profundo, camuflado con la fiebre de baile que iniciaron con sus trabajos anteriores y con una constante lucha contra los principios tradicionales.
LCD Soundsystem - All My Friends
LCD Soundsystem - North American Scum
LCD Sondsystem - Someone Great
9. Radiohead - In Rainbows [2007]
La postproducción de In Rainbows es un hecho histórico en la música popular. Luego de casi un siglo de producción musical basada en disqueras y sellos discográficos que cobran un porciento de la venta de un disco, dos bandas (Radiohead y Nine Inch Nails) proponen un cambio radical en la forma de hacer negocios en la música. En primer lugar, formaron sus propios sellos, y segundo, dieron la posibilidad para que el usuario pagara lo que quisiera por su música. Como premisa el trato directo entre el auditor y la banda, el formato triunfó como jamás se pensó, dejando para los sellos un problema del porte de un titan.
Musicalmente, In Rainbows es un disco que es el neutro entre los momentos rockeros que quedaron de manifiesto en The Bends (1995) y en OK Computer (1997), y la experimentación electrónica de principio de la década, demostrada en Kid A (2000) y Amnesiac (2001). Es la combinación perfecta entre la experimentación con instrumentos tradiciones del pasado con la experimentación a base de beats del presente. In Rainbows es un trabajo muy maduro donde Thom Yorke demuestra que el paso del tiempo no ha afectado su hermosa (e inconfundible) voz. La banda continua su virtuosismo (tanto en sus instrumentos como en sus ideas), llamando a recursos jamás usados en sus discos (como un cuarteto de strings) e ideas renovadas (como crear un disco conceptual basado en el comfort y la necesidad). Porque detras de este álbum existe un trabajo tan inspirado como OK Computer, en el que la banda, con absoluta libertad, camina sin problemas por ambientes basados en ecos y strings, dejando como huella temas tan profundos (y atrayentes) y hermosos, que el usuario puede caer en un estado de comfort: lo que In Rainbows quiere transmitir.
Radiohead - All I Need
Radiohead - Weird Fishes/Arpeggi
Radiohead - House Of Cards
8. The White Stripes - Elephant [2003]
El ruido es molesto (al menos, para los oidos pop). En un mundo lleno de estrés y rapidez, más ruido puede llegar a ser estresante. ¿Pero qué pasa si el ruido se convierte en excelente música? Muchas bandas ligadas a esta escuela (como Lighting Bolt, No Age, Women, etc.) han tomado las guitarras y han luchado con reglas de vale todo para encontrar un sonido plácido entre el ruido. Y una de las bandas que se ha destacado popularmente en este sentido ha sido The White Stripes, un dúo formado por Jack y Megan White quienes habían combinado lo mejor del rock con el ruido en trabajos memorables como White Blood Cells (2001).
Combinando el ruido, con influencias del blues, contry, punk y rock clásico, The White Stripes lanza el clásico instantaneo llamado "Elephant". Siguiendo una línea parecida a la de su disco anterior, Jack White gana mayor reputación en la música estadounidense produciendo uno de los álbumes más completos del rock nacional, donde el poder es amplio, la inspiración es eterna y la calidad es intachable. Con letras muy propias de su estilo (parte transgresor, parte "satánico" (en el sentido de que lo malo se vuelve bueno), parte campirano), Elephant brilla por el poder demostrado por guitarra y batería, que a través de secciones muy simples pero siempre brillando por los infaltables riffs de guitarra de Jack, hace saltar hasta los más escépticos. Megan White, si bien no es una gran baterista, se convierte rapidamente en un ícono de rudeza y talento, que acompaña a su "hermano" por paisajes nuevos del rock and roll. Y sí, Elephant se perfila como un disco revival de los tiempos en los que el rock era divertido, agresivo y poco producido, y es que la producción estilo garage es un éxito rotundo, ya que lleva a The White Stripes a un terreno no-fi que muchas bandas actuales han querido imitar. Un sonido fresco y clásico, lo nuevo y lo pasado, lo bueno y lo aun más bueno. The White Stripes logró hacer que el rock volviera a portar la antorcha del riesgo, a través de sonidos únicos, mínimos pero efectivos. Excelente, por decirlo poco.
The White Stripes - Seven Nation Army
The White Stripes - The Hardest Button To Button
The White Stripes - I Just Don't Know What To Do With Myself
7. The Mars Volta - De-Loused In The Commatorium [2003]
Un debut complicado, música molesta e historias oscuras. The Mars Volta, formada de las cenizas de la banda de post-punk At The Drive-In, ha sabido cómo separar las aguas entre un público ansioso de un sonido nuevo e innovador para el rock, y un público más tradicional a los sonidos limpios y menos transgresores. Sobre todo en una época vaga en luces que le dieran a la música el riesgo para seguir avanzando en destino a encontrar más posibilidades musicales. Cedric BixlerZavala, Omar Rodriguez Lopez, Jon Theodore y compañía, decidieron realizar una apuesta complicada al inspirarse en los ritmos latinos como la Salsa, en sonidos "académicos" como el Jazz Fusion, en música pop clásica (como el rock psicodélico) y los géneros que difundían en At The Drive-In (post hardcore tendiendo a metal). Tremulant EP se convirtió en un disco innovador, donde se ingresó el concepto de EP conceptual, algo jamás hecho en la historia de la música. Sin duda, The Mars Volta estaba asentando un sonido nuevo.
Preguntandose a lo largo del disco ¿cómo debe sonar la música? De-Loused In The Comatorium rápidamente parte agresivamente, contando la historia de Cerpin Taxt, un personaje inventado por Cedric, quien a través de una historia metafórica, oscura y confusa, termina con su muerte. Comatorium destaca por el virtuosismo de los músicos, quienes saben exactamente qué tocar, qué atmósferas colocar, qué cantar, qué para todo (aunque el disco parezca improvisado, cosa que se alaba). Atmósferas y capas llenas de más capas, la voz de Cedric experimentando, la virtuosa guitarra que lucha contra el guitarrista del afro, la complicada batería y un par de gongós le dan vida a una historia llena de contrastes, donde la rapidez y furia combinada con la voz ledzeppeliana de BixlerZavala dan paso a secciones donde la banda baja el ritmo e intensidad para dar paso a sintetizadores, efectos de guitarra y órgano para que realicen la labor de generar atmósferas muy densas y facilmente rompedoras de la paciencia de cualquier mortal. La variación de todas las canciones (que hace que el disco no suene tan igual entre sección y sección) lo convierten en un álbum variativo, y el uso de recursos latinos lo vuelve innovador. Luego de imponentes canciones y excelente producción a cargo de la banda, De-Loused In The Commatorium se convierte en un álbum de amor-odio. En Plan B consideramos que, si bien no es el futuro, parece ser el camino hacia él.
The Mars Volta - Inertiatic ESP
The Mars Volta - Drunkship Of Lanternas
The Mars Volta - Eriatarka
6. Animal Collective - Merriweather Post Pavillion[2009]
Animal Collective se ha convertido rapidamente en una banda influenciante en la música internacional. Beats perfectos, voces que recuerdan a The Beach Boys cantando armónicamente, viajes infinitos a través de excelentes producciones musicales y la casi imposible proeza de encasillar sus trabajos, han ganado elogios de músicos tan importantes como Brian Eno. Y lejos de acabar la inspiración, con cada trabajo Animal Collective ha hecho crecer la palestra de nuevos sonidos.
Esta vez nos encontramos con Merriweather Post Pavillion. Un disco más amigable que sus trabajos anteriores como Sung Tongs (2004), Feels (2005) y Strawberry Jam (2007), donde todas las posibilidades de experimentar se llevaron a cabo sin presiones ni obligaciones. Merriweather es un disco cuasi-bailable, donde la gran misión de la banda es no depender de Deakin (guitarrista) quien se alejó del colectivo por un tiempo. Sólo a través del uso de beats, no hacer volar la imaginación es imposible. Un sonido psicodélico, que lleno de sintetizadores, y las maestras voces de Panda Bear y Avey Tare que cantan en armonía vocal, dan tregua libre a cualquier idea loca. "Todo es posible" es la premisa de Animal Collective, que en las letras (muy simples pero que en conjunto con la música se convierte en el enésimo instrumento) llama a preocuparse más de uno mismo que de lo que hace el resto (en alución al turbulento episodio mundial que se vive). Una producción perfecta, a cargo de Geologist, hace que las canciones suenen aún más pretenciosas, hermosas y llenas de vida y juventud. En conclusión, el cielo bajado a la tierra, un álbum lleno de detalles que en su totalidad ofrece los sonidos más innovadores del año y década.
Animal Collective - Summertime Clothes
Animal Collective - Daily Routine
Animal Collective - Brother Sport
5. Outkast - Stankonia [2000]
Outkast es un dúo de Atlanta conformado por Big Boi y Andre 3000. Con sonidos que exploran todos los géneros del hip hop conocidos (y más allá), ha logrado trabajos innovadores, llenos de letras filosas y beats insanos. En los 90's, eran una de las bandas más respetadas en el escenario underground de Atlanta (y de Estados Unidos), y entrando a la década, decidieron realizar un trabajo que cambió la historia del hip hop: Stankonia.
En primer lugar, cuenta con una producción maestra a cargo de los mismos chicos de Outkast. Posee beats únicos, que tal como lo hace Prince en Purple Rain (1984), exploran una cantidad infinita de géneros, tanto géneros "blancos" como "negros", realizando un sonido universal y exquisito. Ambos músicos colocan todo su talento en el rapeo, realizándolo a máxima velocidad (tal como se hace en Atlanta) y energía. Big Boi (con su pinta que recuerda lo mejor del gangsta rap), con su voz ronca, le da peso y rudeza a las rimas filosas, mientras que Andre 3000 le entrega picardía, talento y experimentalidad. Aunque la pinta de idiotas, ni todo su talento se los quita. Las líricas son únicas: Verdaderos poemas dan vida a letras llenas de violencia, indiferencia, amor/tristeza y testosterona. La creatividad e inspiración de Outkast son infinitas, dando paso a 74 minutos de rimas maestras, beats (todos producidos por la banda) universales y la capacidad de "profetizar" el futuro de la década (en BOB declaran el estado de guerra en la ciudad mediooriental, 3 años antes) son el sustento principal del disco, que con excelentes interludios que cumplen el objetivo de resetear al auditor para que se reintegre al disco (sí, un trabajo tan complejo como Stankonia requiere ciertos descansos), adornan un clásico del hip hop, haciendo honor a lo mejor de los tiempos pasados del género para innovar y producir el futuro, tanto del género como de la música pop en general. Una invitación a creer en un futuro mejor, a hacer lo mejor posible. El mejor disco de hip hop de la década, lejos.
Outkast - So Fresh, So Clean
Outkast - Ms. Jackson
Outkast - BOB
4. Sigur Rós - Agaetis Byrjun [2000]
"La Vida Sin Música Es Un Error". Con estas palabras, Nietzsche (filósofo alemán) se refería al hecho que la música se trataba de algo arraigado en la raíz humana. El ser humano siempre ha buscado encontrar sonidos que lleven más alla de las barreras de la imaginación, a veces forzando, otras veces fluyendo, pero siempre gustando. Y el hecho que en Plan B hagamos una lista, no es para decir qué música es mejor o peor. Toda es igual de buena; lo que vemos es el cómo han hecho cambios significativos en la década, ya sea cambios netamente musicales como sociales.
Uno de los géneros musicales que más críticas ha traido debido a su capacidad transgresora y conquistadora es el post-rock, que desligándoze de la guitarra (en gran parte), acude a otros sonidos, capas, musique concrete y experimentos para producir un rock más enfocado en el sonido en relación con el sentido más que en la expresión del interior del artista. La escena de Montreal ha sido la más elogiada (con bandas como Godspeed You Black Emperor!, Set Fire To Flames, Hrstva, A Silver Mt. Zion, etc.), donde el estilo más anarquista de la música le adhiere un sentido único a la experiencia auditiva, y que sin vocalista, la vuelve transgresora.
Sigur Rós, muy relacionado con la naturaleza, había compuesto trabajos hermosos en los 90's (como Von (1997)), en los que la suave melodía de la guitarra y bajo, más la indescifrable (y casi élfica) voz de Jonsi Birginsson, dieron paso a la escena islandesa del post rock, influenciada por la naturaleza, la condición de ser humano y la relación del hombre con la naturaleza. Terminando la década, Sigur Rós lanzó Agaetis Byrjun, uno de los trabajos más hermosos hechos en Islandia (junto con Homogenic (1997) de Bjork). Con una introducción muy simple, da paso a estallidos de belleza y emoción únicos, a través de guitarras densas, la voz que actúa como otro instrumento, el bajo llevando el ritmo de la música y la batería que varía su complejidad para adaptarse a tal belleza desencadenada como bomba nuclear: una especie de bomba nuclear llena de vida. Infinitas capas provocadas por la guitarra le dan un toque experimental que se une a la hermosa melodía, que parece un llamado desesperado a los ángeles para que bajen y escuchen tal celestial trabajo. Lleno de espacios fríos que transportan al auditor directo al país de procedencia de Sigur Rós, Agaetis Byrjun se transforma en un trabajo épico digno de las criaturas más sensibles y agraciadas de todo el mundo: el ser humano.
Sigur Rós - Svefn-G-Englar
Sigur Rós - Ny Batteri
Sigur Rós - Olsen Olsen
3. TV On The Radio - Dear Science, [2008]
El año 2008 fue uno de los años más turbulentos de la década. Con la crisis financiera desencadenada, la constante guerra en medio oriente que lejos de acabarse continua sangrientamente, el miedo del "holocausto marrano" y la crisis moral desatada por todas las anteriores, produjo un miedo in crescendo en la gente, así como desconfianza, frialdad e indiferencia con respecto al corazón.
TV On The Radio, quienes habían brillado con el maestro Return To Cookie Mountain (2006) aparecen con su nueva producción llamada "Dear Science, " (con coma, imitando a una carta). ¿Qué trae de nuevo este disco? En primer lugar, un sonido fresco y jamás escuchado antes en TV On The Radio. Abandonando casi por completo el art rock de guitarras distorsionadas que venían haciendo en el pasado, decidieron realizar un trabajo basado en una gran producción, realizada por Dave Sitek, miembro de la banda: El resultado de esta producción roza la perfección. Acudiendo a sintetizadores, capas llenas de éstos, instrumentos, aplausos y sonidos limpios, los miembros de la banda toman una consciencia social y le cantan a los tiempos contemporaneos. Alguna vez dijieron: "Muchas bandas tienen algo que decir. Nosotros tenemos algo que preguntar". Así de directo resulta el disco, el que con letras tan honestas como "Crying" o "Family Tree", en conjunto con los sonidos mejor producidos de la década, dan rienda suelta a una fiesta (llevada por la melodía insana de "Dancing Choose" o "Red Dress") contrastada por hermosas pausas a través de melodías hermosas (como la ya nombrada "Family Tree" o la enamorada "Love Dog"). Tomando recursos electrónicos, se adentra a un territorio que siempre quisieron conquistar. Inspiradamente van pasando sintetizadores que conforman una atmósfera deliciosa, en la que las voces de los africanos van cantando en armonía incontrolable. Pasando por temas actuales como la crisis económica (metaforizada en la patea traseros "DLZ") y la indiferencia (en temas como la espectacular "Shout Me Out"), TV On The Radio espera en la icónica "Golden Age" un mejor lugar, así como dar puntapié a la llamada por ellos "la edad de los milagros, la edad del sonido".
TV On The Radio - DLZ
TV On The Radio - Love Dog
TV On The Radio - Golden Age
2. Daft Punk - Discovery [2001]
¿Quienes son Daft Punk? Es una banda de electrónica formada por Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo. Son considerados como el bastion del house francés, ya que con su potente debút llamado Homework (1997), habían hecho popular al movimiento artístico y electrónico parisino a lo largo y ancho del globo. Creando canciones en samples muy pegadizos, nadie se dió cuenta de la inmensa creatividad del duo, que explotó en 2001 cuando lograron publicar el trabajo llamado Discovery.
Un álbum (según el dúo) muy personal, basado en la infancia de ambos, donde no podían diferenciar lo bueno de lo malo, ni se interesaban en ello. Un disco jugado, muy divertido y lleno de momentos memorables. Una producción muy buena y beats extremadamente trabajados proponen un álbum legendario, que hace guiños al house ochentero, pero que se mezcla con sonidos nuevos, que lideran el movimiento forjado por Daft Punk. Canciones bailables son la fachada de un disco lleno de emoción, donde cada parte hablada, cada solo de guitarra y cada beat tiene un sentido. Haciendo mayor incapié en las líricas, se aprecian los momentos eternos, esos que Daft Punk estaba buscando para este disco. Pasando por secciones minimalistas y experimentales, el dúo mezcla el sonido cosmopolita de canciones como "One More Time" o "High Life" con atmósferas profundas como "Nighvision" o "Veridis Quo", realizando una alianza duradera entre el house alternativo con los sonidos más pop y gustosos para la masa. Y esta alianza cumple muy bien su objetivo, tanto así que causó estragos en países donde jamás se pensó que ocurriría algo así con un trabajo como Discovery: hablamos de Japón, donde se realizó una historia basada en el disco (llamada Interstella 5555), que eleva la imagen de Daft Punk al centro de un género que marcaría, además, el surgimiento del eurotechno, trance y house, así como la masificación de la electrónica en las fiestas y ... Un profundo cambio en culturas inpensadas (como la europea y la japonesa).
Daft Punk - Aerodynamic
Daft Punk - Digital Love
Daft Punk - Harder, Better, Faster, Stronger
1. Arcade Fire - Funeral [2004]
El disco número uno de Plan B tiene un nombre triste: Funeral. Si escuchan este trabajo, se darán cuenta que es un trabajo que suena muy básico, que hasta una banda de escolares puede hacer. Sin embargo, ¿cómo un disco como Funeral puede quedar en esta lista? Veamos:
La grabación de Funeral estuvo marcada por la muerte de muchos parientes cercanos a Arcade Fire, banda canadiense. En primer lugar, la muerte de la abuela de Régine Chassagne (acordeón y voz), luego, la muerte del abuelo de Win (guitarra y voz)y William Butler (Teclado y Bajo), y por último la muerte de la tía de Richard Reed Parry (teclado, bajo, lira y voz). Estas muertes se ven reflejados en lo agridulce que suena el álbum, con baterías y voces discos cantandole a la muerte y la tristeza.
En segundo lugar, el matrimonio entre Régine Chassagne y William Butler (y por tanto, amor entre ellos) se refleja en los dúos que realizan, donde románticamente, las voces se unen al unísono para ofrecer hermosas armonías que siguen el ritmo de la numerosa banda. En tercer lugar, la combinación de esos dos puntos anteriores ofrece un debut enérgico, emocional, apoderador y brillante. Es la emoción humana hecha disco. Tan así que hasta los instrumentos se tocan emocionalmente (con suerte siguiendo el ritmo, sin tanta concentración en las habilidades técnicas). La voz de Win Butler se quiebra magistralmente en las partes más inesperadas, trayendo consigo una hermosa respuesta, tanto de su esposa como de la banda, quien se une al sufrimiento in crescendo para, con energía proveniente de la emoción, tocar las melodías más agridulces jamás escuchadas en la década.
La victoria de la emoción se siente aún más con toda la banda unida. "Neighborhood #3" es la demostración más clara de ésto, donde la desesperación hunde a la banda, y en medio de esa desesperación, Arcade Fire dispara rayos de luz para escapar de una oscuridad latente. La música en estos estados toma mayor sentido, sobre todo cuando tonos mayores se juntan con menores y la banda canta.
La numerosa banda logró, con este disco, entregar el trabajo más honesto del indie rock de la década (y de todos los géneros también). Sin una edición elaborada, se escuchan muchos detalles interesantes que hacen desear estar al lado de la banda grabando tal obra a la emoción humana. Guitarras muy simples, strings improvisados, baterías disco y una variedad de instrumentos, dan tierra firme a una voz que se sume en el vacío emocional, que, a veces, desgarradamente pide auxilio para salir a la luz. Una luz que está prendida pero detras de un vidrio polarizado, que se esclarece en partes para volver a sumirse en la oscuridad.
Funeral, en su salida, provocó uno de los sucesos más interesantes en el ámbito indie (desde la aparición de Nirvana): una banda se hizo popular con tan sólo un trabajo. Es que lo humano del disco hizo que millones de personas consiguieran una copia, que veía reflejada sus emociones más oscuras. Pero Funeral posee una luz de esperanza al final del disco, cuando los strings van desapareciendo lentamente para dejar pasar a la realidad, que está simbolizada por los ruidos en el Hotel2Tango, algo así como el Abbey Road para la música indie.
En conclusión, el álbum de la década, que ve reflejada toda la desesperación de una temporada llena de sufrimiento, guerra, crisis e indiferencia, pero que ve una luz al final del camino, donde todo es posible y donde todo puede ser mejor.
Arcade Fire - Neighborhood #2 (Laika)
Arcade Fire - Neighborhood #1 (Tunnels)
Arcade Fire - Rebellion (Lies)
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