Plan B: La Otra Alternativa

Death Grips - The Money Store [2012]

noreply@blogger.com (Chiko) — Sun, 20 May 2012 04:26:00 +0000

Death Grips - The Money Store (Epic - 2012)

Nota: 9.4/10

Lo Bueno: La experiencia más punk del año, Unico, Impresionantes Beats y Rimas, Producción Excepcional, Toque Pop, Duración Justa, Excelentes Introducciones a los Temas, Muy Buena Carátula.
Lo Malo: No cualquiera puede escucharlo, Se extraña el uso de samples.

Sin duda, uno de los mejores mixtapes lanzados en el 2011 es Ex-Military (Third Worlds - 2011). Un disco agresivo, abrasivo, sin foco y que contaba con las canciones más originales lanzadas durante esta nueva década. Sin duda un disco para nada agradable de escuchar para una persona normal, sobre todo por la voz y postura de MC Ride, una de las caras visibles del proyecto Death Grips. Un tipo furioso, enérgico, drogadicto, mujeriego y prácticamente enfermo de la cabeza. Junto a él se encuentra Zack Hill, el baterista de Hella, quien entrega los beats más esquizofrénicos junto a Flatlander, quien mezcla las baterías con sintetizadores análogos de muy baja calidad, entregando un producto con una estética única: el soundtrack perfecto para un asesino. Y qué forma de comenzar tal mixtape: con un sample del mismísimo Charles Manson.

El esfuerzo hecho en Ex-Military no fue en vano y lograron conseguir un acuerdo discográfico con Epic Records, los mismos que tienen (o tenían) en sus filas a Fiona Apple, AC/DC y Michael Jackson, por nombrar algunos. The Money Store es el primero de dos álbumes que se piensan lanzar el 2012. Y si se piensa acabar el mundo este año, algo como ésto sonará en el apocalipsis. Lo que habíamos escuchado en Ex-Military pero en clave pop, con menos reservas y más acción. Ninguna canción es completamente débil, ningún tema ha sido descuidado. Todos los temas son verdaderos hits, como si se tratase de un "grandes éxitos". Sirve como punto de partida para escuchar al grupo, para presentarlo a los amigos, para liberar la furia en un tornado de puños y contorsiones.

Y la principal gracia del disco es que no sólo conserva la agresividad y estética de su mixtape, sino que lo lleva a clave pop. Canciones como "I've Seen Footage" y "Hacker" son temas que cualquier DJ inspirado en Daft Punk hubiese deseado producir. La música industrial es base fundamental para analizar el sonido del disco. Baterías que juegan a la perfección con sintetizadores atonales que bordean la saturación (como en "Punk Weight" o "Lost Boys") le dan una base potente a MC Ride quien mejora de sobremanera sus rimas, entregando piezas de poesía rota muy interesantes, y que en su totalidad se erigen como un digno sucesor a Madvillainy (Stones Throw - 2004), en el sentido de ser una reencarnación de la maldad y la violencia.

Y al igual que el debut de Madvillain, The Money Store tiene la duración justa para mostrar todas las aristas de este villano: un ser lleno de maldad y furia, con pasajes instrospectivos y otros muy extrovertidos donde MC Ride mejora su calidad vocal para no ser un grito plano, sino que moldearlo para ser hasta emocional. Cada tema va acompañado de una excelente introducción de no más de 15 segundos donde dejan en claro (o no tan en claro, como en el caso de "Fuck That" que en realidad se trata de un beat prácticamente producido por Animal Collective) lo que escucharemos y nos mete de lleno a cada aventura. Por ejemplo, la pequeña introducción a "Bitch Please" suena muy parecido a cualquier canción de Justin Timberlake, así como la introducción a "The Cage" donde la línea de sintetizador es perfecta.

Una escucha a la ligera ya sirve para mostrar que la producción lograda para el disco es impresionante. No hay detalle que se escape. La estética del sonido puede enmascarar el esfuerzo de producción, pero justamente es resultado de ésta. Además, las canciones mostradas son espectaculares. Por ejemplo, "Get Got" es la mejor carta de presentación al disco. Un ritmo desenfrenado con la voz esquizoide de MC Ride que resulta en una canción prácticamente bailable. En general, la primera mitad del disco es memorable, mientras que la segunda parte es más arriesgada y experimental, pero no por ello más débil. En muchos rincones de esta segunda parte encontramos momentos salvajes, como el final de "The Cage", el coro de "Hacker" o el break de "Double Helix".

Son muchos los factores para decir que The Money Store es uno de los mejores álbumes de Hip Hop lanzados este año, pero no es del todo seguro que se trate del mejor. Después de todo, queda otro album más, llamado No Love (Epic - 2012) que espera salir en primavera (otoño en el hemisferio norte) y cerraría el año para Death Grips. Lo que podemos decir con cierta seguridad es que The Money Store es una experiencia que no puede dejar a nadie indiferente. Sigue tratándose de un disco difícil de enfrentar, pero que al escucharlo con oidos abiertos, se muestra como un álbum con un potencial que hace cuestionar el futuro de la música. ¿Es este el sonido del futuro del Hip Hop?

Death Grips - I've Seen Footage

Escuche el disco completo acá:

Demdike Stare - Forest of Evil [2010]

noreply@blogger.com (Chiko) — Mon, 23 Apr 2012 22:33:00 +0000

Demdike Stare - Forest of Evil (Modern Love - 2010)

Nota: 9.0/10

Lo Bueno: Creativo y Fresco, Excelentes Samples, Cinemático y Atmosférico, Muy Buena Producción, Excelente Carátula.
Lo Malo: Necesita concentración por parte del auditor.

Demdike Stare es un dúo británico compuesto por coleccionistas de vinilos y amantes del cine B, de corte artístico y experimental. Se formó por su amor incondicional a las atmósferas generadas por éstas para expresar la visión del autor. Y su música es tan teatral como las películas en las que se inspiran. Atmósferas generadas por drones de sintetizadores suaves y duros, samples de películas (ambientes más que diálogos) y percusiones hipnóticas, mezcladas en loops que demoran en progresar, pero cuando lo hacen se exponen sin pudor, con todo su esplendor, perdiéndose en una neblina de sonidos sin que uno se de cuenta.

Forest of Evil es el primer disco de tres del compilado Triptych (Modern Love - 2011), y se trata de un EP de dos canciones (más un bonus track), siendo el más corto de los tres álbumes sacados ese año. Sin embargo, es el mejor, logrando la mejor mezcla entre samples, ambientes y experimentación. En Forest of Evil existe un sonido maligno influenciado por los samples de suspenso que dan introducción al disco, pero que al pasar el tiempo va ganando carisma y ritmo, elemento fundamental que permite digerir el disco más fácilmente.

En la primera parte de Forest of Evil (Dusk) un sintetizador fuerte juega con otro más coqueto y seductor mientras que de la nada entran los elementos de percusión, tomando un rol fundamental para la mitad del disco, tornándose en un dub experimental exquisito que tiende a sonar más microhouse debido a la ligereza de la percusión y la presencia mínima de otros factores (los sintetizadores apoyan a la percusión). La mezcla es importantísima en este disco para mantener una cohesión general, sobre todo tratándose de un disco con ambientes tan ambivalentes. Un ejemplo de excelente mezcla es lo logrado en la transición a la segunda parte, donde el bombo sonando muy a lo lejos deja pasar a un ambiente pesado donde el viento y elementos flotantes junto a un sintetizador atonal dan paso a la mejor parte del álbum, donde el bosque se transforma en una discoteca gracias a un beat que junto al bombo sonando a lo lejos le dan una fuerza aplastante, invitando al auditor a un trance mágico. A partir de acá, todo es deconstrucción. El ritmo se va, quedando uno contra el bosque de la maldad.

Forest of Evil (Dawn) parte con un ambivalente collage de samples de películas experimentales que sirven para situar al auditor en la parte más oscura del disco. La rítmica vuelve a hacer el trabajo pesado mientras de la nada se van añadiendo elementos dub como el bajo y los sintetizadores rítmicos. El break en esta primera parte es legendario: la pura pausa provoca que la canción en una calma tensa entre en caos, cayendo ruidos de la nada y llenando cada espacio, el bajo se vuelve más maligno y gana más preponderancia, se elevan los sonidos guiados por el mismo ruido y cayendo de manera más pesada. Incluso, la eliminación de un elemento deja constante la potencia de la canción. Para el gran final de la primera parte, el ruido es el amo y señor, ni siquiera la rítmica lograda puede con ella, rindiéndose con 6 simples toques de bombo. Luego de esta pared de sonidos, la calma vuelve, dada por un sample orquestado que representa la oscuridad triunfante, pero también representa luz y amanecer. La ascensión progresiva dada por el "coro" da una puerta de entrada a un drone de frecuencias bajas que, simplemente, asesina el final. Una rítmica derrotada sigue hasta que se desvanece en el silencio del bosque de la maldad.

El bonus track de Forest Of Evil, llamado Quiet Sky es un tema ambiental de sintetizadores lúgubres y de percusión extraña, que sirve para adentrarse en el bosque con la luz invadiéndolo. Es la parte más experimental de todo el disco, notándose en qué momento entra cada elemento a la canción. Es fabuloso sentir que cada espacio es llenado, ya sea con sintetizadores suaves, samples, percusiones y ruido.

Forest Of Evil es el disco mejor logrado de los tres lanzados por Demdike Stare y es el que mejor representa su estética, mostrando todos sus recursos para mantener la atención de principio a fin. Lo mejor de todo es que se trata del trabajo más cohesivo de la banda, no dejando respiro al auditor entre parte y parte, no dejando tiempo para que reaccione de los distintos azotes musicales que acá se dan. Uno de esos discos que salen pocas veces y que marcan una revuelta silenciosa en el ambiente musical. Con Forest of Evil, Demdike Stare logra abrir una puerta para que muchos más conozcan su trabajo. Dentro de Triptych, sirve como la mejor introducción al compilado, ya que resume en 28 minutos toda la filosofía detrás del proyecto. Un excelente álbum.

Escuche el disco completo acá:

Pete Swanson - Man With Potential [2012]

noreply@blogger.com (Chiko) — Wed, 28 Mar 2012 04:23:00 +0000

Pete Swanson - Man With Potential (Type - 2011/2012)

Nota: 9.0/10

Lo Bueno: Emocionante, Inspirador, Excelentes Canciones Estructuradas, Unico, Gran Inicio y Final, Excelente Carátula.
Lo Malo: Algunas canciones débiles.

Man With Potential es el nuevo disco de Pete Swanson lanzado a finales del 2011 pero que no salió con todo su esplendor hasta enero del 2012, donde muchas revistas de música le pusieron ojo y encontraron en este disco una verdadera revolución del noise. Y desde la época de Wonderful Rainbow (Load - 2003) que no había salido un álbum de noise tan "escuchable" y emocionante. Ni siquiera en toda su carrera con Yellow Swans logró sacar un disco tan lleno de vida y cacofonía.

Es que Man With Potential es un discazo donde se conjugan varios elementos como el techno industrial, el harsh noise, power electronics, música electroacústica, progresión, improvisación y una sensibilidad pop que asusta. Muchas canciones son interpretadas de una manera improvisada, donde las máquinas atacan con una soberbia indispensable para el éxito del disco, pero controladas por una estructura estilo canción. Sí, se trata de 6 canciones, no de 6 improvisaciones. Y eso a primera escucha es complicado de encontrar, sobre todo por la grandiosa introducción dada por "Misery Beat", una canción que progresa desde sintetizadores sincopados suspensivos hasta un ritmo frenético de corte industrial que no deja indiferente a nadie, que da una falsa introducción a lo fundamental del disco (que viene después), pero que sirve para presentar una nueva arista de la mitad de Yellow Swans.

Con una duración de 40 minutos (lo justo y necesario), Man With Potential explora (y/o provoca) varias emociones muy especiales. La ira de los primeros minutos se transforma en "Remote View" en relajo e introspección, sobretodo por la progresión lenta pero constante y la adición de nuevos elementos, que se van apareciendo con varias escuchas o con pocas escuchas concentradas. En canciones como ésta se puede apreciar mejor el modus operandi del disco, con la estructura y desarrollo fundamentales que son el alma y el cuerpo de cada una de las canciones. Otra canción emocionante es la canción final, "Face The Music", con un nombre que invita a pensar qué es lo que se expresa con la música (o que es lo que se siente con la música). Se trata de la canción más cacófona del disco (y la más corta), donde con una progresión de acordes muy letárgica se van añadiendo sintetizadores que paran los pelos de punta, sobre todo un poco antes de la desaparición permanente del bajo (cercano al minuto 2:53), expresando una profunda desesperación que destruye por completo todo intento de volver a comenzar. Irónico, pensando que se trata de la última canción.

Tratándose de un disco de noise (por lo tanto, poco recomendable para el auditor común), busca disminuir las brechas con canciones llenas de ritmo y emoción, convirtiéndolo en una apuesta arriesgada pero inteligente, construyendo como artesano uno de los mejores discos de noise desde la década pasada. Sin duda, con Man With Potential Pete Swanson demostró ser un hombre con potencial.

Pete Swanson - Misery Beat

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Varios Artistas - Valparaíso, Hardcore & Ruido [2012]

noreply@blogger.com (Chiko) — Thu, 12 Jan 2012 08:44:00 +0000

Varios Artistas - Vaparaíso, Hardcore & Ruido(Revoltoso Distri - 2012)

Nota: 8.0/10

Lo Bueno: Buena Compilación, Buena Calidad, Enérgico, Ayuda a conocer la escena sin necesidad de remitirse a otros datos.
Lo Malo: Algunas canciones no pegan.

Valparaíso es una ciudad muy mágica, principalmente no por su arquitectura ni su estética (Venecia o Estambul son más bellas teniendo un pasado parecido), sino que por su gente. La gran gracia de esta ciudad es su sociedad y la forma en que se hacen las cosas en el puerto. No es como en Viña del Mar donde las cosas son más ordenadas: Valparaíso es un puerto choro donde hay que tener agallas para vivir. Noches intensas, mañanas especiales. La gente generando cultura todo el día, desde el viejo curado en el Barrio Puerto hasta el turista perdido en Plaza Sotomayor. Un lugar que prácticamente es una improvisación, desde su gente hasta su arquitectura. Una improvisación que se ha ganado un lugar en la historia de la humanidad.

Y es en este exacto lugar donde se está dando una escena muy especial, una escena casi tan grande como la de los cantautores (entre los que se destacan grandes como Diego Peralta y Kaskivano, además de la nueva camada con artistas como Petit y Txus) y la escena indie (liderados por el sello discográfico Acople Records). Estamos hablando de la escena hardcore, un espacio grande con muchas bandas y un amplio grupo de auditores (de hecho la Radio Placeres, principal radiodifusora de la cultura anarquista y punk es una de las más escuchadas entre todas las radios en la Quinta Región).

Roboto, miembro de la popular (dentro de la escena) banda "Los Crustaceos" (y cabeza visible tras Revoltoso Distri, una especie de sello discográfico) ha realizado tres esfuerzos para compilar las mejores bandas del hardcore y punk porteño (Vol. 1 y Vol. 2). El último esfuerzo es una especie de mejora con respecto al Volúmen 1. Se trata del esfuerzo mejor logrado por encontrar buenas bandas y buena calidad en su grabación. Pero aun más que ésto, logra sacar un grandioso compilado que inmediatamente con la primera canción ya nos sumerge en el submundo hardcore de la "costa oeste".

12 bandas, 24 canciones y 50 minutos de pura rebeldía adolescente. Se conjugan varios estilos musicales, desde el hardcore casi ochentero de Bombas de Ruido o Almenara, pasando por el powerviolence de Los Crustaceos o Australopithecus, el grindcore de Balano Sucio, dando cabida a grupos pesados como Nueva Actitud o Empatía e incluso al post-hardcore más melódico de Epifanía. Según Roboto (en el "lee ésto" de la descarga), son las bandas que más han colaborado al sonido de la escena. Y se trata de un sonido intenso, con muy pocos descancos, simple de interpretar pero que nadie más podría haber hecho. Agresión, tristeza, frustración, alegría, afirmación y rechazo. Muchos estados de ánimo que casi son contradictorios entre música y lírica (por ejemplo, "Robocop" de Yuppie Junkie Yankee). Con el claro objetivo de mostrar su mensaje contestatario, muchas bandas recurren a melodías simples pero efectivas (como Bombas de Humo lo hace en "Mentes Cerradas" o Balano Sucio en "Intifada").

Pero lo que hace especial a este compilado es que muestra a varias bandas que están mostrando una gran innovación al sonido de la escena. "Caminar Buscando Ese Algo" de Epifanía es la canción más imponente del compilado, por su impecable y genial uso de recursos musicales para sonorizar la soledad. "Habla o Calla para Siempre" de Australopithecus es un excelente tema, muy pesado y que se lo pasa en ataques de excitación y frustración dignos de una mente loca. Nueva Actitud tiene el sonido más pulcro de todas las grabaciones, mostrando una estética influenciada por el thrash y heavy metal, dando la cabida incluso para algunas líneas de rap en un verdadero himno de la escena: "Guerrilla Puerto".

Hay un par de canciones que no son lo suficientemente fuertes para hacerle peso a este compilado titánico, pero en general Valparaíso, Hardcore & Ruido resulta ser una muy buena escucha para conocer otro foco de cultura en la ciudad improvisada, en la Joya del Pacífico. Un buen compilado que merece una o varias escuchas.

Nueva Actitud - Guerrilla Puerto (live)

Los Crustaceos - Vamos a Robar al Lider

Australopithecus - Habla o Calla para Siempre

Descargue el disco gratuitamente haciendo click acá

Lo mejor del 2011 Según Plan B

noreply@blogger.com (Chiko) — Sat, 17 Dec 2011 23:12:00 +0000

El 2011 se acaba y Plan B ha vuelto para presentar la lista de los mejores discos (en inglés) salidos durante este año. Como todos los años, el criterio para elegirlos fue buscar los discos que mejor representen al año y que posean tecnicidad, emoción, producción, identidad, unicidad y/o creatividad.
Además de los discos, se presentará el mejor video, mejor carátula y mejor canción de este 2011.

Mejores Albumes del 2011

15. John Maus - We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves

Perteneciente a la misma escuela de Ariel Pink y Geneva Jacuzzi, John Maus lanzó un disco con una estética que nos lleva a sus trabajos anteriores junto con Pink, donde los sintetizadores ochenteros y lo-fi están a la orden del día formando atmósferas que asemejan lugares y situaciones pasados. Mezclas elegantes, canciones notables y una buena producción: los ingredientes para que John Maus lograra un disco memorable por su honestidad y por sus grandiosas canciones.

John Maus - Streetlight

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14. The Weeknd - House Of Balloons

House Of Balloons es una verdadera revelación en el R&B. Se trata de un disco vespertino, mundano, sexy de principio a fin y honesto. Cuenta con una producción que recuerda mucho a The Foreign Exchange, donde samples muy bien utilizados y un aire nocturno son importantes para lograr la efectividad que destaca a este trabajo. La voz de Abel Tesfaye es especial, principalmente por su falsetto, que resulta muy efectivo en canciones como "The Party and The After Party" o en "What You Need", donde toca temas como romances de una noche, sufrimiento, drogas, sexo y vivir la vida, que si bien se habían tocado en muchas canciones, en House Of Balloons muestran una innovación y un respiro, basado en el sonido denso y una interpretación espectacular.

The Weeknd - The Morning

Baje el Disco Completo acá.

13. Liturgy - Aesthethica

Una de las bandas más odiadas del Black Metal es también una de las más creativas. Liturgy logró lo que con sus discos anteriores no logró: entregar un álbum que se autosustenta (y permite olvidar la nefasta guía para escuchar su música llamada Trascendental Black Metal), que es disfrutable por cualquier fanático del metal (ni siquiera del Black Metal) y que expone un sonido limpio y de alta calidad, a diferencia del Black Metal más "popular". Las líricas son excepcionales y la interpretación es gloriosa. Aesthethica es el álbum que significa un antes y un después en el entendimiento del Black Metal moderno, que abre sus puertas y permite un crecimiento en la calidad y en la audiencia.

Liturgy - Returner

12. Chelsea Wolfe - Ἀποκάλυψις

Ἀποκάλυψις, o también conocido como Apokalypsis (en griego), significa dos cosas: apocalipsis pensándolo en la literatura cristiana, y por otro lado significa revelación. El nuevo disco de Chelsea Wolfe es las dos cosas al mismo tiempo: por un lado expone la oscuridad a través de 10 temas distintos donde se recurre a atmósferas sofocantes ("To The Forest, Towards The Sea"), sintetizadores ruidosos ("The Wastelands"), ecos y reverberaciones ("Pale On Pale"), canciones letárgicas ("Tracks (Bodies)") y guitarras furiosas ("Demons"). Por otra parte es una revelación, donde Wolfe profetiza un presente y futuro donde el hombre se autodestruye ("Mer") y necesita ayuda para seguir ("Moses"), mostrando que la única solución al futuro incierto es la inocencia y sencillez("Friedrichshain"). En pocas palabras, Wolfe logra el álbum más oscuro del año, uno de los que mejor logra exponer sus ideas y una de las revelaciones del año.

Chelsea Wolfe - Mer

11. DJ Diamond - Flight Muzik

El debut de DJ Diamond tomó cerca de 7 años en salir a la luz. Uno de los discos más extraños de beats que haya salido en el año expone ideas muy claras e innovadoras: Beats atonales (como "Wreckage" o "Go Hard"), canciones bailables con una producción jamás antes escuchada ("Decoded" o "Vibe"), remixes que logran ser más que las canciones originales ("Rep Yo Clique"), etc. Son muchos los recursos utilizados en Flight Muzik, pero todas las canciones tiene un mínimo común: el nerviosismo, la rapidez, la baja fidelidad y la estética pseudo bailable de los temas. En resumen, Flight Muzik es uno de los discos más importantes del Footwork de Chicago de los últimos tiempos, donde la creatividad y una cabeza caliente sirvieron para presentar un trabajo como éste.

DJ Diamond - Wreckage

10. Kendrick Lamar - Section.80

Este año fue una época de cambio en el Hip Hop. Por una parte, el colectivo Odd Future logró posicionarse como los máximos exponentes de una generación desencantada y rebelde. Por otro lado el colectivo A$AP (y en particular A$AP Rocky) en Nueva York logró sacar uno de los mejores mixtapes de Hip Hop del año: LiveLoveA$AP (Independiente - 2011). Kendrick Lamar logró con Section.80 un verdadero cambio de mentalidad respecto al Hip Hop y cómo se relaciona con la gente. Con una producción que innegablemente está inspirada en My Beautiful Dark Twisted Fantasy (Def Jam/Roc A Fella - 2010), Kendrick muestra su talento innato con el manejo del micrófono, lanzando rimas con una fluidez que recuerdan a los clásicos de la West Coast (hasta el mismo Snoop Dogg cayó rendido ante canciones como "Rigamortus"), hablando sobre temas que realmente importan ("Tammy's Song" o "Ronald Reagan Era" son verdaderos clásicos) con un uso de samples ecléctico que pasa desde el jazz ("Hol'Up") hasta el soul ("Fuck Your Ethnicity") y la electrónica ("Kush And Corinthians").

Kendrick Lamar - A.D.H.D

9. St. Vincent - Strange Mercy

Actor (4AD - 2009) fue un album que dejó a St. Vincent como una de las cantantes más creativas de Estados Unidos, con canciones como "The Strangers" donde lo teatral se combina con lo real a través de un ritmo que sólo sabe crecer. En Strange Mercy, el sonido es aún más extraño que en Actor. En primer lugar, se trata de un disco sucio, con guitarras distorsionadas y baterías muy potentes. Además, la voz de Annie Clark suena más segura y madura que en su trabajo anterior. En tercer lugar, Strange Mercy es su disco más creativo, donde las canciones toman giros bruscos que a veces caen en incoherencias controladas, las líricas son más inteligentes, la producción es más fuerte y St. Vincent logra demostrar todo su talento en el canto y en la guitarra (es cosa de escuchar "Surgeon").

St. Vincent - Surgeon

8. Fleet Foxes - Helplessness Blues

Un álbum que destruyó la vida de sus miembros: Así se podría definir Helplessness Blues. No se trata de una innovación ni de un cambio de paradigma en la banda, sino que mejoraron infinitamente lo que ya habían hecho en Fleet Foxes (Sub Pop - 2008), que ya les había entregado mucho reconocimiento por su calidez e interpretación. En su último trabajo, la interpretación está más trabajada, las armonías vocales son más limpias, la producción es más potente y permite entregar golpes enérgicos con instrumentos acústicos en lugares insospechados, las canciones tienen más carisma, son más expresivas y las líricas son más poéticas. No es un disco que revolucione el mundo, pero sí que es un grandioso disco musical.

Fleet Foxes - The Shrine/An Argument

7. TV On The Radio - Nine Types Of Light

Pasaron tres años para que TV On The Radio lanzara el sucesor del legendario Dear Science, (4AD/Interscope - 2008), elegido tercer mejor disco de la década anterior según Plan B. Nine Types Of Light es una muy buena adición a su excelente discografía, y un digno seguidor. En este álbum encontramos la misma solidez en la producción, pero aplicada a baladas lentas y canciones eufóricas, que realizan una contraposición brillante ("Will Do" y "Caffeinated Consiousness", por ejemplo). Tunde Adebimpe logró una madurez interesante en sus líricas que junto con la producción del gran Dave Sitek es grito y plata. Si bien no es tan enérgico como su antecesor, no escatima recursos para lograr un resultado muy disfrutable y altamente adictivo.

TV On The Radio - Will Do

6. Ry Cooder - Pull Up Some Dust And Sit Down

Ry Cooder es conocido por varias cosas: por producir el legendario Buena Vista Social Club (Nonesuch - 1997), por su virtuosismo en el Slide Guitar, y por sus colaboraciones con leyendas de la música como Taj Mahal o Eric Clapton. En Pull Up Some Dust And Sit Down, Ry Cooder logra el disco más político de su carrera, donde interpreta verdaderos himnos para lo que hoy está sucediendo en Estados Unidos: el fin de la guerra ("Christmas Time This Year"), la crisis financiera ("No Banker Left Behind", "El Corrido de Jessie James"), la revolución contra el sistema ("Humpty Dumpty World"), el trato hacia los inmigrantes ("Quick Sand"), etc. Y cuando no habla de política, habla al corazon con hermosas canciones interpretadas fabulosamente como "Dirty Chateau" o "No Hard Feelings". El eclecticismo de Cooder es claro, combinando ritmos tropicales, mexicanos, blues, baladas y rock de manera cohesiva. Se trata de un disco que no podría haber salido en ninguna otra época más que en esta, por más que el sonido evoque un tiempo pasado.

Ry Cooder - Quick Sand

5. Tom Waits - Bad As Me

El gran cantante (algunos lo llaman género musical en sí mismo) Tom Waits volvió luego de casi 7 años de silencio con Bad As Me, un disco que se muestra agresivo desde el primer segundo con la gran introducción ("Chicago") donde se invita a bordo de un barco de emociones. La gran gracia de Bad As Me es que combina a la perfección su trabajo más duro de Rain Dogs (Island - 1985) con sus canciones más calmas. Se puede decir que éste álbum es tanto Bad (ritmos pesados, loops que invocan un estado de trance, experimentación a flor de piel) como Me (baladas de guitarra o piano, acompañamiento mínimo y emotivo, voz suave y líricas introspectivas), y la mezcla de ambos estilos se hace de una manera genial; tan genial que emociona el talento de Waits para aguantar los cambios de voz tan bruscos y pasar de un estado de introspección a uno enérgico como si nada. Sin dudas, a su edad sigue conservando la genialidad y en Bad As Me se demuestra en 13 espectaculares canciones.

Tom Waits - Satisfied

4. The Caretaker - An Empty Bliss Beyond This World

Inspirado en el estudio científico que demuestra que las personas con Alzheimer pueden mejorar su memoria recordando ciertos pasajes musicales, James Leyland Kirby quizo hacer su propio experimento tomando ciertos fragmentos, asociarlos a memorias pasadas y repetir estos fragmentos muchas veces para ver cuál es tu reacción... sí, tu reacción. An Empty Bliss Beyond This World cuenta con una doble naturaleza: la de experimento y la de proceso musical. Como experimento, busca a través de la repetición y el ruido de samples de canciones que se tocaban en los salones de baile de principio del siglo XX hacer que el auditor logre recordar cosas y asociarlas a los samples. Por otra parte, como proceso musical sigue una tendencia: de ritmos fáciles y poco ruidosos a repeticiones intercaladas (como el caso de "Mental Caverns Without Sunshine") donde el sonido del vinilo es otro instrumento tan importante como el sample, aludiendo al proceso de recordar algo muy profundo en el interior (donde cada vez se requiere un esfuerzo mayor). En un año donde la música concreta tuvo un año dorado (con Oneohtrix Point Never a la cabeza), The Caretaker logró uno de los discos más interesantes del año, y una marca importante en la relación entre el auditor común con la música concreta.

Escuche el disco completo acá:

3. Beastie Boys - Hot Sauce Committee Part Two

No se trata de un disco que vaya a cambiar el modo en el que escuchamos a los Beastie Boys (ni menos el Hip Hop). Simplemente se trata de uno de los discos que más bien suena. Una de las producciones más potentes del año que suena muy fresco (incluso con repetidas escuchas). Se combina el sonido desarrollado en Paul's Boutique (Capitol - 1989) combinándolo con el sucio sonido de Hello Nasty (Capitol - 1998), obteniendo un disco potente donde lo importante es divertirse. Rimas simples pero con buena fluidez junto con bases excelentemente interpretadas son la fórmula para este nuevo éxito para la banda, un disco que más que revolucionar el hip hop (sobre todo en un año bien movido y con muchas caras frescas), decide hacer algo sólo por diversión.

Escuche el Disco Completo Acá:

2. Bon Iver - Bon Iver

En un buen año para el folk (Fleet Foxes y Bill Callahan lanzaron excelentes discos), Bon Iver publicó el sucesor del grandioso For Emma, Forever Ago (Jagjaguwar - 2008), un disco emocionante de principio a fin (sobre todo al final), donde el principal denominador entre las canciones es la soledad (expresada en su carátula por la casa en medio del "bosque"). Aunque esta vez cuenta con un grandioso ejército de músicos, y de una madurez ganada a través de tours con otros artistas (e incluso colaborar con Kanye West en My Beautiful Dark Twisted Fantasy (Def Jam/Roc A Fella - 2010)). Con una brillante mezcla, logra conmover a través de canciones letárgicas, donde su falsetto emociona de sobremanera. También la grabación del disco es especial, debido a la gran mejora de calidad con respecto a su debut. Un disco que, comparado con su anterior esfuerzo, mejora y amplía su repertorio atreviéndose con nuevas propuestas de las que sale muy bien parado.

Bon Iver - Holocene

1. PJ Harvey - Let England Shake

Lanzado en Febrero de este año, Let England Shake se convirtió en una profecía hecha realidad. Por una parte Reino Unido (y en general la Unión Europea) pasan por días inciertos después de la guerra. El tambaleante entorno financiero está complicando el futuro de la unión y la gente comienza a rebelarse contra sus líderes (como en España con los indignados, las revueltas en Reino Unido y las revoluciones en Medio Oriente). Let England Shake es el más claro resumen de lo que fue el 2011, y lo hace a través de excelentes líricas, una espectacular interpretación y producción, sampleo inteligente y experimentaciones que resultan muy bien (como la adición del autoharpa). PJ Harvey lanzó su mejor disco desde Stories From The City, Stories From The Sea (Island - 2000), y el mejor disco de este gran año de cambios (tanto musicales como políticos como sociales); un álbum que no rockea (ni debería hacerlo) a través de guitarras potentes, sino que rockea a través de su concepto, de lo que PJ Harvey quiere expresar.

PJ Harvey - Written On The Forehead

Mejor Canción del 2011

Tyler, The Creator - Sandwitches (Feat. Hodgy Beats)

Originalmente lanzado en el 2010, "Sandwitches" vuelve a aparecer en el debut comercial de Tyler, The Creator en Goblin (XL - 2011). Cobra aún más sentido en este año debido a la gran popularidad alcanzada por el colectivo Odd Future gracias a grandiosos discos (como Bastard (Odd Future - 2009)) y una imagen muy agresiva y rebelde. En ese sentido, "Sandwitches" es el himno de la rebeldía juvenil del año (y también himno del colectivo), donde se invita a los niños a olvidarse de la escuela, no respetar ninguna autoridad (desde la familia hasta la iglesia) y hacer lo que más les guste hacer. Este mensaje viene además con una producción ambivalente donde sintetizadores muy básicos logran formar una base sucia pero enérgica donde Tyler y Hodgy Beats pueden presentar su mensaje de la manera más potente posible.

Mejor Video del 2011

Woodkid - Iron

"Iron" de Woodkid es uno de los videos más épicos que haya salido en el año. Gracias a su aparición en el trailer de Assassin's Creed: Brotherhood, logró hacerse de un público muy grande, y con el video sigue mostrando ese espíritu imperial y legendario que impregna el sonido de los bronces que fue emulado en el video del juego. A través de cinemáticas lentas, cámaras bien colocadas y una estética en blanco y negro donde se muestran soldados, asesinos y mercenarios, "Iron" es un video que inspira una repetida escucha al tema (que de por sí es muy bueno).

Mejor Carátula del 2011

Boris - New Album

Originalmente lanzado sólo en Japón, New Album es el tercer disco lanzado por la banda en el 2011. Es el disco más sólido lanzado desde Pink (Southern Lord - 2006) donde juega con estilos musicales opuestos a todo lo que había hecho antes en el pasado. Esta vez pasa por la Electrónica, el Shoegaze y el J-Pop, logrando una cohesión insospechada, ayudados de una producción fuerte y de la posibilidad de lanzar el disco en una de las disqueras más importantes de Japón. El salto a la fama mundial viene acompañado además de una carátula espectacular, donde queda expresada la fusión de elementos de distintos géneros musicales, además de la mujer (encarnando a Wata, la guitarrista de la banda, quien canta la mayoría de las canciones) en una imagen asombrosa por su calidad y sus colores, que invitan a escuchar y sumergirse en este nuevo exitoso experimento de la incansable institución japonesa llamada Boris.

John Maus - We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves [2011]

noreply@blogger.com (Chiko) — Wed, 10 Aug 2011 21:28:00 +0000

John Maus - We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves(Upset The Rythm/Ribbon Music - 2011)

Nota: 8.6/10

Lo Bueno: Elegante, Buena Producción, Intenso y Efectivo uso de Sintetizadores, Canciones Memorables, Excelente Introducción y Final, Buena Carátula.
Lo Malo: A John Maus le cuesta cantar.

John Maus es un músico y candidato a PhD en Ciencias Políticas estadounidense, quien ha colaborado con Ariel Pink a principio de la década anterior para trabajos como Lover Boy (Ballbearings Pinatas - 2006), donde se entrecruzan dos estilos que, si bien siguen la misma escuela estética del lo-fi y la producción amateur, son diferentes. Por una parte, Ariel Pink está fuertemente influenciado por el soft rock y el post-punk "bailable" al estilo de Gang Of Four, John Maus está fuertemente influenciado por el post-punk al estilo de Joy Division y el new wave de New Order. Y en este último periodo se pueden ver claras diferencias: por una parte Ariel Pink lanzó el exitoso Before Today (4AD - 2010) donde logra una verdadera bofetada al pop comercial, mientras que John Maus lanzó este año We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves (en español, Debemos convertirnos en los críticos despiadados de nosotros mismos) en donde la música "ochentera" toma un significado más académico.

Una música llena de sintetizadores de todos los estilos: duros, blandos, líderes, atmosféricos, baterías electrónicas, etc, que juegan entre sí y crean la banda sonora de discotecas olvidadas en el tiempo. Es John Maus convertido en un director de orquesta, donde tiene control directo de todos los instrumentos (incluyendo su voz al más puro estilo de Ian Curtis). En este último disco se logra el equilibrio que John Maus siempre estuvo buscando desde sus cintas olvidadas en los 90's y a principios de la década anterior hasta su debút, Love Is Real (Upset The Rythm - 2007). Tal como lo hizo Ariel Pink el año pasado, Maus tuvo la oportunidad de hacer un gran disco que tenía la posibilidad de salir de Estados Unidos ... y no escatimó esfuerzos.

Desde la primera canción ("Streetlight") va con la convicción de encontrar ese sonido que siempre estuvo buscando. Con un ritmo muy bailable, el sonido oscuro de la música y la voz reverberante de Maus son dos armas que atacan juntas al llegar al coro. Una interesante estructura donde conviven adición de instrumentos, breaks y loops le da un toque fresco y el ritmo basado en la música disco, con sintetizadores de fondo tocando escalas, es vital. Una introducción potente para un disco que no deja de sorprender.

El disco continúa con canciones punks ("Quantum Leap"), baladas románticas ("Hey Moon") y experimentos sintetizados ("The Crucifix" o "... And The Rain"). Siempre fiel a la estética, el único instrumento acústico es un bajo roñoso que marca la pauta para que los sintetizadores hagan su trabajo. "Quantum Leap" es interesante, pues recuerda mucho al pop influenciado por Joy Division, con breaks insospechados e instrumentación, en general, simple.

Como liricista, Maus busca plasmar en sus letras sus pensamientos y convicciones. Por ejemplo, "Cop Killer" es un tema lento donde cada instrumento es sintetizado. En esta canción Maus canta acerca de matar policías junto al "mata policías" e ir en contra de la ley, como fugitivo. O en "... And The Rain" donde le canta a la desesperación de buscar la verdad y no poder encontrarla, a través de una cancion letárgica al más puro estilo de The Doldrums (Paw Tracks - 2004) de Ariel Pink.

John Maus es un tipo que cuando se habla de música se convierte en otra persona: un héroe. Sus presentaciones en vivo son épicas y enérgicas. Y en su música busca eso mismo: convertirse en una especie de héroe a través de canciones memorables sin edad. Y se logra en gran cantidad de canciones del disco, donde la estética ochentera sólo sirve para distraer del verdadero mensaje que se quiere entregar (como en "Keep Pushing On", donde se canta a la partida de su amada). Incluso eso se logra en canciones jocosas como "Matter Of Fact" donde repite incansablemente "Pussy is not a matter of fact".

Pero el caso más emblemático del disco es la canción final, "Believer", donde logra un sonido espiritual a través de innumerables sintetizadores al unísono. Incluso su voz se desvanece en gran parte de la canción, transformándose en un instrumento lleno de espacio. Ecos, pads, campanadas y una estructura simple donde el coro es repetido a modo de himno. Al más puro estilo de "Round And Round", una de las mejores canciones del año pasado, Maus encuentra en "Believer" el sonido que siempre buscó. Como canción final es perfecta, y como canción del año es candidata segura.

We Must Become The Pitiless Censors Of Ourselves mezcla los dos aspectos con los que John Maus convive: por una parte un pensador, seguidor de sus convicciones y un ser racional; por otro lado, un fanático de la música, compositor de "música pop" y un ser espiritual. Un acto de fe, por decirlo poco.

A continuación material audiovisual y un link para escuchar el disco gratuitamente (vía Altered Zones).

John Maus - Streetlight

John Maus - Head For The Country

John Maus - Believer

Escuche el álbum completo acá

Beastie Boys - Hot Sauce Committee Part Two [2011]

noreply@blogger.com (Chiko) — Tue, 28 Jun 2011 05:12:00 +0000

Beastie Boys - Hot Sauce Committee Part Two (Capitol - 2011)

Nota: 9.1/10

Lo Bueno: Muy Entretenido, Excelentes Beats, Gran Interpretación, Excelente Ingeniería, Muy Buena Producción, Buenas Rimas, Intenso de Principio a Fin.
Lo Malo: Un poco derivativo.

Los Beastie Boys están de vuelta ... Sí, los míticos héroes de los '90 vuelven a rapear (ojo, a rapear) después de casi 7 años desde el lanzamiento de To The 5 Boroughs (Capitol - 2004). En estos años de silencio sucedieron varios acontecimientos: MCA fue diagnosticado de cáncer de garganta, sacaron un álbum instrumental, The Mix-Up (Capitol - 2007), por el cual ganaron otro Grammy, por esta misma noticia cancelaron un disco, el Hot Sauce Committee Part One (Capitol - 2009), etc.

Ya con MCA curado vuelven a rapear en Hot Sauce Committee Part Two, un disco que suena más fresco que nunca, asentándose en el sonido que mejor saben hacer: agresivo como Check Your Head (Capitol - 1992) o Ill Communication (Capitol - 1994), sonoramente genial como Hello Nasty (Capitol - 1998) y fundamental como Paul's Boutique (Capitol - 1989). Con una producción e ingeniería de sonido pulida y rimbumbante, los beats a la medida son la envidia de cualquier rapero, las rimas (como diría MCA en "Make Some Noise" "son como el vino: mejoran cuando se hace más viejo", la interpretación es excelente de principio a fin, tocando muy buenas canciones que mantienen intenso el disco incluso en sus partes más débiles.

Los Beastie Boys han hecho de Hot Sauce Committee Part Two una verdadera fiesta. Con hits indiscutidos como "Make Some Noise" o "Too Many Rappers" (con la participación de Nas) donde la música suena revitalizada y muy fresca, gana terreno a los primeros minutos de apretar play. Hay otras maravillas como "Say It" o "Here's A Little Something For Ya" donde apuestan a su pasado musical y salen triunfantes con prácticamente "nuevos himnos" para su repertorio (gigante, de por sí).

Todas estas canciones están muy bien logradas, por parte de la banda como por parte de los sonidistas, quienes le dan un sonido muy potente en los bajos (cosa que se manifiesta en todo su esplendor en "Don't Play No Game That I Can't Win", con la presencia de Santigold), que le da una gran sonoridad a la batería (que es la que se lleva todos los aplausos) y a los sintetizadores, que en este disco son de vital importancia, al igual que Hello Nasty. Pero entre toda esta ingeniería y gran interpretación, otro punto a favor es la gran mezcla de estilos, pasando prácticamente por toda la historia de la banda: desde el hardcore punk neoyorkino de principio de los ochenta con "Lee Mayors Come Again", pasando por rap con gusto ochentero como "Funky Donkey", canciones con güiños a Odelay (DGC - 1996) como "Say It" o "Long Burn The Fire", hasta temas de su último periodo como la instrumental "Multilateral Nuclear Disarmament" o "Make Some Noise".

Como en su primer disco, Licensed To Ill (Def Jam/Columbia - 1986), los Beastie Boys lo más que quieren es divertirse. Y eso se demuestra en las líricas que, lejos de ser narrativamente geniales como Paul's Boutique o con Conciencia Social como en Ill Communication, busca la ironía y las relaciones idiotas, como en los viejos tiempos. Y los temas van por la misma dirección: no es un disco que suene obligado ni mucho menos conceptual, sino que es hecho por un grupo de amigos que se juntaron a hacer un disco por puro gusto. Y resultó muy bien.

Si logra entender bien las líricas, se va a entretener un montón. Porque lo que hicieron los Beastie Boys en este último disco no tiene nada que envidiarle a alguno de sus discos anteriores. Sin dudas, lograron un disco excepcional, rico en el sonido encontrado y muy entretenido. Una revitalización.

A continuación puede escuchar el disco completo, además de su video Fight For Your Right (Revisited), que contiene a "Make Some Noise", "Too Many Rappers" y "Say It".

Beastie Boys - Fight For Your Right (Revisited)

Escuche el Disco Completo Acá

Nicolas Jaar - Space Is Only Noise [2011]

noreply@blogger.com (Chiko) — Mon, 20 Jun 2011 02:13:00 +0000

Nicolas Jaar - Space Is Only Noise (Circus Company/Clowns And Sunset - 2011)

Nota: 8.4/10

Lo Bueno: Excelente Introducción y Final, Muy Bien Producido, Muy buena Mezcla de Estilos, Buenos efectos de sonido.
Lo Malo: Derivativo, Pobre Interpretación Vocal.

Nicolas Jaar es hijo del productor chileno Alfredo Jaar. Nacido en Nueva York en 1990, vivió su temprana edad en Santiago y luego volvería para estudiar en la Universidad, donde actualmente se encuentra. Ha lanzado varios trabajos donde se destaca en su música un minimalismo muy característico y peculiar: no se trata de un minimalismo de estructuras básicas ni de falta de recursos, sino que se trata de la configuración de los recursos de tal manera que suene mínimo con una gran cantidad de recursos.

Esta misma línea se sigue en Space Is Only Noise, un álbum que combina la electrónica minimalista con elementos del jazz, la música concreta y el left-field para producir un disco muy rico en sonidos, donde hay glitches, interludios, samples, canto distorsionado y muchos otros recursos que se complementan muy bien para presentar este sonido particular. Al escucharlo detenidamente, se ve una relación muy clara con el sonido de otros músicos electrónicos de "origen" chileno como Matías Aguayo o Ricardo Villalobos, con respecto al tratamiento básico de sintetizadores, que les da ese toque minimal.

En general, el disco está excelentemente producido, con secciones conmovedoras (como la introducción y final dados en "Être" y "^tre"), enérgicas ("Keep Me There"), sexies ("Colomb"), seguras ("Specters Of The Future"), etc. Acá es interesante el tratamiento de los sintetizadores, que crean la atmósfera querida. En el caso de "Être", el piano es evocador y el grito de los niños de fondo junto con el agua fluyendo crean todo el universo donde la canción se desenvuelve. Una joya que cumple el papel de presentar (y terminar) el disco.

La electrónica pura y dura entra inmediatamente después con "Colomb", donde el sampleo vocal recuerda el dubstep de Burial expuesto en Untrue (Hyperdub - 2007) y el bajo mantiene la línea cuando las "pelotas" comienzan a caer. Un efecto de sonido muy bien presentado y que se expande por tres canciones, que relaja y a la vez desespera. Estos efectos (el agua, las pelotas cayendo, glitches, sonido de vinilos viejos, etc. aparecen en varias partes del disco, dándole circularidad al trabajo.

Las secciones Left-Field con un toque Hip-Hop se escuchan en "I Got A Woman", uno de los temas más sólidos del disco. Samples de jazz y una bateria muy bien programada y sintetizadores no invasivos generan esa sensación de suavidad que el disco tiene en gran cantidad de temas. Otro tema muy bien logrado es "Keep Me There", donde hace gala de su voz (que si bien en algunas canciones se muestra monótona y poco clara, como por ejemplo en "Too Many Kids Finding Rain In The Dust"), la ocupa como otro instrumento más, y funciona muy bien ya que crea el riff y se mantiene constante mientras al lado los sintetizadores "están en otra", ya sea jugando entre ellas, con la batería, con los efectos de fondo, etc.

La Influencia del Jazz en el disco es clara, ya sea por los samples de solo de saxofón, de cantautores, de riffs, como por las tácticas usadas para agregarle dinamismo a una canción. Un ejemplo de ésto último está en "Specters Of The Future" con los drops de sonido que al volver agrega otro recurso (ya sean voces, cambio en el piano, etc). Así mismo, en las canciones que siguen ("Trace" que se trata de un pequeño solo de batería tocando Free Jazz y "Variations" que toma samples de blues) tienen una estructura libre pero bien organizada.

Si bien es un disco difícil de escuchar (personalmente me costó digerirlo completamente), otorga un buen sabor al escucharlo detenidamente. Es un disco bien logrado y pensado, que si bien puede sonar un poco aleatorio y derivativo, es jugado y musical, manteniendose siempre en bajo perfil pero siempre mostrando una que otra sorpresa.

Escuche Algunos Temas Acá:

Daedelus - Denies The Day's Demise [2006]

noreply@blogger.com (Chiko) — Sat, 14 May 2011 01:02:00 +0000

Daedelus - Denies The Day's Demise (Ninja Tune/Mush - 2006)

Nota: 8.9/10

Lo Bueno: Excelente Sampleo, Muy Buenas Canciones, Excelente Producción, Buena Programación.
Lo Malo: Un poco derivativo.

Daedelus (también conocido como Alfred Darlington) es un multi-instrumentalista californiano conocido por el uso del Monome, samples de música brasileña, por sus improvisaciones en vivo y, por sobre todo, por su estilo victoriano de vestir en sus presentaciones que junto con movimientos rápidos y seguros ha logrado crear una imagen interesante para su propuesta. Con casi 10 años de trayectoria y numerosos trabajos discográficos bajo el brazo, pasea por sonidos alegres y carnavalescos mientras explora libremente sonidos que mezclan la música ambiental, electroacústica y left-field.

En 2006 lanzó su trabajo Denies The Day's Demise, el cual contiene las canciones mejor cohesionadas y que sirven a modo de resumen para la música de Daedelus. La instrumentación y sampleo es genialmente utilizado mientras baterías duras (casi drum & bass) logran crear canciones poderosas y bien definidas. Por lo que la experimentación no es un proceso entrópico y sin guía, sino que sigue ciertos patrones que dan seguridad para avanzar. Pero esta experimentación también posee pasajes suaves donde el sonido generado por sintetizadores bien programados ahora son quienes protagonizan y guían la ruta del sonido. En ese sentido, Denies The Day's Demise es un trabajo muy bien trabajado.

Si bien el sonido alegre de los samples es carta segura para afianzar la escucha, se necesitan varias de éstas para tener una imagen clara de lo que Daedelus quería lograr: utilizar los samples y los instrumentos de manera creativa y casi única, donde se evita caer en clichés y en redundancias. En ese sentido, Denies The Day's Demise es perfecto. Otro aspecto a favor del álbum es el genial uso de las voces y samples vocales, los cuales junto con la armonía musical de las distintas canciones, logran emocionar y generar nuevos sonidos y efectos. Un ejemplo de ésto es "Sundown", que logra el efecto contrario al título: suena como un amanecer y posterior salida a la selva de cemento e intentar sobrevivir en éste.

En general, Denies The Day's Demise es un álbum muy bien logrado, el cual le permitió al artista mostrar todo su arsenal creativo con un resultado peculiarmente digerible y disfrutable.

Daedelus - Sundown

Escuche Algunas Canciones Aquí

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cLOUDDEAD - cLOUDDEAD [2001]

noreply@blogger.com (Chiko) — Mon, 25 Apr 2011 03:45:00 +0000

cLOUDDEAD - cLOUDDEAD (Mush - 2001)

Nota: 9.2/10

Lo Bueno: Definidor de Género, Muy Buena Interpretación, Excelente Experimentación, Excelente Rapeo, Muy Buena Producción, Buena Carátula.
Lo Malo: Largo.

cLOUDDEAD fue un grupo estadounidense compuesto por Why?, Doseone y Odd Nosdam. Why? y Doseone se dedicaban principalmente a las líricas, mientras que Odd Nosdam producía la mayoría de los temas, aunque muchas veces intercambiaban papeles. El proyecto terminó debido a problemas al interior respecto a diferencias creativas de los miembros (un proyecto tan "musicalmente libre" obviamente generaría roces si se trata de imponer una imagen"). Sacaron 10 trabajos: 8 EP's, su único álbum llamado Ten (Mush - 2004) y un álbum compilatorio (que es el que analizaremos ahora).

cLOUDDEAD (álbum) nació luego de lanzar 6 singles: Apt. A (Mush - 2000), And All You Can Do Is Laugh (Mush - 2000), I Promise Never To Get Paint On My Glasses Again (Mush - 2001), JimmyBreeze (Mush - 2001), (Clouddead Number Five) (Mush - 2001) y Bike (Mush - 2001). Compilados en un sólo álbum, se siente muy diferente a tener todos por separado. La música fluye libremente sin tener que cambiar de CD's (cada canción es un lado del CD, en este caso MiniCD) y el trabajo en total se siente completamente ligado, como si toda la obra de cLOUDDEAD (banda) ya hubiese sido trabajada con muchísima anterioridad. Vamos a tratar cada single por separado y se le dará una relación total.

Apt. A es el primer single de la banda, lanzado en noviembre del 2000. Una verdadera declaración de principios donde se conjuga la configuración esencial de la música que traería después, donde se destacan las líricas crípticas salidas de la corriente de la conciencia y de situaciones cotidianas, los pads atmosféricos y casi decadentes que sirven como base principal para el rapeo, y la batería con disminución de tonos notables que son la única guía para "entender" el sonido de la banda. La primera parte sirve para introducir a la banda y para entrar en calor con los cambios lentos pero seguros en las líricas, como una verdadera corriente de conciencia. La segunda parte introduce tres conceptos importantísimos: el hip hop cerebral donde importa más la configuración del beat más que la letra, las secciones ambientales donde el ruido, samples de películas, entrevistas y comerciales, y los sintetizadores juegan un papel fundamental, y por último las armonías vocales que sirven para agregar más melodía a secciones llenas de sentimiento.

And All You Can Do Is Laugh es el segundo single, lanzado en diciembre del 2000. La primera parte comienza con un beat muy oscuro que mezclado con las voces de ultratumba encontradas por Doseone y Why? rapean una serie de frases sin sentido aparente. Avanza hacia una sección donde renombran a quienes son realmente underground y termina en un beat tan oscuro como el primero donde representan una historia de un rapero siendo abucheado en un evento de micrófono abierto. La segunda parte del single se trata de cortos beats sobre samples de jazz, orquesta y películas antiguas, donde la programación de las baterías es de maravilla, acoplándose muy bien a cada sample. Un gran trabajo de tornamesa por parte de Odd Nosdam quien logra crear muy buenos beats que demuestran gran creatividad y sirven como pauta a sucesores sobre cómo emplear los samples bajo criterios experimentales.

I Promise Never To Get Paint On My Glasses Again es el tercer single lanzado en enero del 2001. Principalmente producida por Doseone, ocupa su voz como instrumento sobre beats decadentes y faltos de energía (donde se nota más ésto es en la segunda parte). La primera parte es la canción más rapera del disco, con excelentes rimas que hablan acerca de los pseudoartistas y de la gente que acepta todo como arte. La segunda parte es más decayente y ambiental donde ocupa su voz susurrante y armónicamente con los sintetizadores suaves, logrando una atmósfera que asemeja un amanecer o un atardecer nublado. Muy bien logrado.

Jimmybreeze es el movimiento producido casi completamente por Why?, donde explora hasta dónde se puede considerar su propuesta como hip hop. Partiendo con una broma telefónica, sigue con una canción que ocupa el estilo 8-bit y su voz nasal para lograr un efecto electroacústico interesante. Las siguientes canciones de la primera parte son más rockeras y experimentan con la voz agregando acoples e intentando cantar sobre una base creada por su otra banda, Reaching Quiet. La segunda parte posee el motto: "Sunset Is An All Day Process", dado a conocer en All You Can Do Is Laugh. Continua con un sonido molesto de sintetizadores y continúa la broma telefónica iniciada en la parte uno. Luego, la mejor sección de la canción es la parte final, donde los sintetizadores y la batería juegan agresivamente para encontrar un sonido al punto de la distorsión, pero que se mantiene limpio gracias a la voz de Why?. Sin duda, uno de los singles más experimentales y bizarros del disco.

Cloud Dead Number Five es el siguiente single, y se trata de un conjunto de temas ambientales generados por Odd Nosdam, quien mediante el uso de samples modificados (alargados y distorsionados) y pads sintetizados, logra generar canciones letárgicas que invitan a la liberación y a la emoción. Hay partes en donde la batería entra y crea beats muy bien diseñados. El uso de sintetizadores es magistral, hay partes que se asemejan al trabajo de Brian Eno en el ámbito de encontrar la música perfecta para un ambiente, y Odd Nosdam no lo hace mal.

El último single es Bike, y es el mejor del disco. Se nota una banda muy cohesionada y concentrada, logrando pequeñas canciones muy movidas y definidas, junto con pequeños interludios que sirven como introducción al siguiente u otro tema, secciones ambientales, beats muy bien logrados y voces que desafinan voluntariamente. Bike se configura como un trabajo que combina lo mejor de todos los singles anteriores, pero con una fuerza brutal por parte de los miembros, realizando un single muy entretenido de escuchar. Las baterías usadas suenan muy bien, y la experimentación vocal también, donde se atreven con beatbox y vocal sampling. La sección final de la segunda parte termina con la banda cantando una canción presentada en la parte uno, terminando suavemente.

Y así termina cLOUDDEAD, uno de los discos más importantes de Hip Hop, que no es muy conocido, pero dio asentamiento a nuevas posibilidades en este género lleno de bling bling y beats insensibles. Un disco para las épocas siguientes, muy bien logrado y excelentemente interpretado, bajo un sello propio lo-fi que invita a intentar nuevas cosas para encontrar un nuevo sonido.

Escuche Algunas Canciones Acá:

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PJ Harvey - Let England Shake [2011]

noreply@blogger.com (Chiko) — Tue, 15 Mar 2011 00:40:00 +0000

PJ Harvey - Let England Shake (Vagrant - 2011)

Nota: 9.3/10

Lo Bueno: Las Mejores Letras de PJ Harvey, Excelente Ejecución Musical, Variado y Rico en Sonidos, Muy Buen Juego entre Fiereza y Apacibilidad, Buen Sampleo, Aire Dylanesco, Creativo.
Lo Malo: Un Poco Derivativo.

"Occidente está dormido. Que tiemble Inglaterra, Aplastada bajo muertos silenciosos. Temo que nuestra sangre no vuelva a alzarse. Los días de danza de Inglaterra se han acabado. Otro día para que vengas a casa y me digas que la indiferencia ganó". Este es un fragmento de "Let England Shake", primera canción del álbum de mismo nombre, y salido al mercado luego de cuatro años de "silencio" luego de White Chalk (Island - 2007) (sin contar la colaboración con John Parish en A Woman A Man Walked By (Island - 2009)). Un disco que busca rendir culto a la patria natal de PJ Harvey pero no cayendo en el cliché del folclore que alaba a la nación como lo más grande del mundo (¿recuerda "Si Vas Para Chile"?), sino que todo lo contrario: muestra un país sumido en guerras que destruyen el cuerpo, el alma y el espíritu, tanto de Inglaterra en sí como de sus habitantes, quienes ven las viejas glorias como único sostén a una crisis de identidad sin retorno.

Para recurrir a este tema (el más denso que se le haya escuchado a PJ Harvey en toda su discografía) recurre a varios recursos:

Musicalmente se refugia en el folk inglés y el rock más suave, ocupando desafíos rítmicos (un 7/4 en "Let England Shake", cambios de ritmo en "All And Everyone" y "On Battleship Hill", entre otros), instrumentos que agregan más riqueza sonora (como autoharpa, piano, saxofón, metales, órgano rhodes, mellotron, etc.), sampleo elegantemente ocupado (originalmente un sample de Four Lads en "Let England Shake", samples de fondo de una canción de reggae en "Written On The Forehead", Trompetas Militares, Viento, etc.), secciones agresivas e intensas junto a secciones apacibles y suaves (como "Bitter Branches" o "The Words That Maketh Murder"), entre otros. Juntando todos estos recursos logra canciones muy buenas que sorprenden por su riqueza musical y "universalidad" (por el hecho de que no se trata de un disco muy suave ni muy agresivo, algo para todos los gustos), además de contar con una gran interpretación a cargo de John Parish, Mick Harvey y PJ Harvey donde los pocos fallos de interpretación son magistralmente camuflados con pequeños lapsus que los dejan en segundo (o décimo plano).

Líricamente se trata de un disco Dylanesco: un disco con mucha crítica social pero jamás cayendo en tendencias políticas. PJ Harvey escribió las letras como una persona influenciada por la política, pero que jamás tomó ni tomará algún color ni tendencia. Acomodada en esta neutralidad logra configurar letras que impactan por lo gráfico de las escenas ("He visto y hecho cosas que quiero olvidar. He visto soldados caer como trozos de carne, volados por los aires y tiroteados de forma imposible de creer. Brazos y piernas estaban en los árboles" en "The Words That Maketh Murder) y lo contestatario que resulta muchas veces ("¿Qué tal si llevo mi caso a las Naciones Unidas?" al final de "The Words Thar Maketh Murder", "¿Cuál es el glorioso fruto de nuestra tierra? Su fruto son niños deformes. ¿Cuál es el glorioso fruto de nuestra tierra? Su fruto son niños huérfanos." al final de "The Glorious Land"). Además hay grandiosos poemas y metáforas muy bien usadas para reflejar este conflicto entre el pasado glorioso y el futuro incierto ("Así que me giré hacia un anciano junto al generador. Él estaba de pie sobre la grava junto al fétido río. Se giró hacia mí y después inspeccinó la escena, Dijo "La guerra está aquí en nuestra querida ciudad" (Deja que arda, deja que arda, deja que arda)"). Sin embargo, está consciente de que está en Inglaterra y se siente confortable con ello ("A Inglaterra Me Adhiero" en "England"), aunque reconoce que el futuro está sellado ("Déjame ver la noche caer sobre el río, La luna levantarse y volverse de plata, El cielo moverse, El océano brillar, El seto agitarse, La última rosa viviente temblar" en "The Last Living Rose").

Como se pudo revisar (si leyó el review), el disco goza de ese plus que pocos discos logran: dividir tanto la letra del sonido y ser disfrutados por sí solos. Musicalmente es excelente, pero líricamente es magistral, una pieza de poesía digna de los grandes que no se queda sólo en el nacionalismo de aquel reino de glorias pasadas, sino que globaliza ese conflicto de intereses a todos los países bajo el yugo de la globalización y la posmodernidad. Juntos música y poesía logran uno de los mejores álbumes de canción de autor de los últimos tiempos salido del Reino Unido (y uno de los más aclamados por la prensa británica, además).

PJ Harvey - The Words That Maketh Murder

PJ Harvey - The Glorious Land

PJ Harvey - Written On The Forehead

tAmC? - Prosecularium Duchitas [2011]

noreply@blogger.com (Chiko) — Sun, 20 Feb 2011 02:28:00 +0000

tAmC? - Prosecularium Duchitas (La Mansa Cachaita - 2011)

Nota: 7.4/10

Lo Bueno: Excelente Selección de Canciones, Calidad Mejorada, Buena Interpretación, Muy Buen Arte Gráfico.
Lo Malo: "Tu y Yo" es una tortura china, Percusión casi no se escucha en muchas canciones.

Damas y caballeros, les presento el primer álbum (no improvisado) de tAmC?, llamado Prosecularium Duchitas. ¿Cuál es la gracia? Principalmente es el primer disco grabado semi profesionalmente, autogestionado, con un miembro más (Naty, guitarrista, gritona e igual de frustrada que el resto de la banda) y no improvisado. Es un compilado de sus mejores canciones grabadas durante sus dos años de existencia en los cuales moldearon temas no-fi y noise (reunidos en un género que ellos llaman Pixel Noise), reinterpretados con ayuda de varios músicos (llamados "galletas") y calidad mejorada.

Con un setlist que se pasea por lo mejor (o lo más audible) de su repertorio (que pueden encontrar en su MySpace), explora un nuevo territorio donde las cosas suenan más articuladas (no por ello menos ruidosas o frustradas). Con este nuevo sonido logran forjar temas muy pegajosos (como "Pico En Escabeche" o "Eriberto la Betarraga Nazi") manteniendo el mismo aire "jugozo" de las sesiones anteriores y ganando profesionalismo de paso.

Un punto a favor es la muy buena interpretación de la banda, donde Stalk3r (Tomás Rojas) se luce con un eclecticismo asombroso, tocando múltiples instrumentos a lo largo del disco (como órgano en "Camello Jazzista Nalgas de Mantequilla", charango en "Andino Caliente Con Animal Autóctono", guitarra principal y solista en "Tu y Yo", cover a Supernova en donde hay un solo de guitarra de 21 minutos, etc). Además, los invitados jugaron un rol fundamental en este mismo punto, donde aportaron con excelentes performances (tanto en violín, zampoña, flautas y accesorios varios).

Otro punto a favor del disco es que no perdieron el tono ni las líricas irónicas. Por ejemplo, "Cloro" (que tiene un sonido que parece un guiño a Chinoy) cuenta la historia de una cómoda de casa que vive una vida muy miserable y que encuentra refugio en los amores de $500 en calle Chacabuco (en Valparaíso). Otros temas más "trabajados" como "Concepto Trifulca Casimiro" donde con un riff parecido a "Smells Like Teen Spirit" critican la moda hipster ("shuper") y en particular a aquellos artistas que poseen características así.

En general, es un disco agradable a la escucha y con mucho potencial. Tal vez no es la joya maestra de la banda, aunque le están poniendo empeño, y se nota bastante en la evolución del sonido no-fi a algo más pulido. Dedo pulgar hacia arriba.

Descargue el disco completo Acá

tAmC? - Cloro

tAmC? - Concepto Trifulca Casimiro

Earl Sweatshirt - EARL [2010]

noreply@blogger.com (Chiko) — Sun, 06 Feb 2011 02:43:00 +0000

Earl Sweatshirt - EARL (Odd Future - 2010)

Nota: 8.2/10

Lo Bueno: Debut Inesperadamente Bueno, Fresco, Excelente MC, Muy Buenos Beats, Buenos Colaboradores, Buena Producción Lo-Fi.
Lo Malo: Muy Corto, Abuso de Garabatos.

Earl Sweatshirt es el hermano menor de Tyler, The Creator (quien lanzó su gran debut titulado Bastard (Odd Future - 2009), con muy buenas críticas). En menos de un semestre y con 16 años de edad, se transformó (junto con todo el colectivo Odd Future) en las pesadillas de los padres americanos. ¿Cómo lo lograron? Rapeando acerca de violaciones, asesinatos, tiraderas contra los padres y la moral cristiana, drogas, etc. A ésto se le suma una puesta en escena controversial y un estilo de vida liberal donde pueden hacer lo que sea (véase el video para la canción "Earl" al final del review).

EARL es su disco debut. El nombre del disco (y del pseudónimo) proviene de que su talento para rapear lo descubrió de muy pequeño (early). Autoproclamándose como la "reencarnación del Eminem del '98", lanza a lo largo del disco algunas de las mejores líricas hardcore que se hayan escuchado en el último tiempo. Su talento para rapear es combinado con una producción pulida pero manteniendo el estilo lo-fi que ya se convierte en la estampa de Odd Future (OFWGKTA). Entre los productores del disco se encuentran Tyler The Creator, Left Brain (productor del dúo MellowHype), The Super 3 (también conocido como The Jet Age Of Tomorrow) y Branden BeatBoy Martin. La sinergia forjada entre la producción y el MCing es fenomenal y muy bien lograda, lo que le da un aire fresco que mezcla bases experimentales muy lo-fi con guiños a la West Coast noventera y un rapeo directo, agresivo, confrontacional e insolente que sale de la boca de un adolescente.

Y haciendo alusión a la premisa de la reencarnación del Eminem del '98, Earl Sweatshirt lo logra, tanto en el contenido de las líricas (que hablan acerca de tríos con Pamela Anderson y Miley Cyrus, matar policías, drogar mujeres con pastillas y luego violarlas, entre otros temas que conviven con la problemática adolescente como el término de una relación y el odio posterior en "Luper") como en la entrega. Tal vez el único punto en contra es la gran cantidad de groserías que lo hacen acreedor del Parental Advisory.

Pero en general, EARL es un disco fascinante de principio a fin, donde la mente distorsionada de un grupo de jóvenes "perdidos" (tambien llamados como "Swag Generation" o "/b/ boys") encuentra refugio en rimas agresivas y beats originales en una mezcla explosiva que dejó a una gran cantidad de adultos con el grito en el cielo ... incluyendo a la madre de Earl quien lo envió a un correccional.

Descargue el disco gratis y completo acá

Earl Sweatshirt - Earl

Escuche Más Canciones Acá:

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Tame Impala - Innerspeaker [2010]

noreply@blogger.com (Chiko) — Wed, 26 Jan 2011 17:49:00 +0000

Tame Impala - Innerspeaker (Modular - 2010)

Nota: 8.5/10

Lo Bueno: Muy Buen Trabajo de Ingeniería de Sonido, Excelentes Guitarras, Impresionante Uso de Efectos de Estudio, Buenas Líricas, Buenas Canciones.
Lo Malo: Muy Derivativo.

Intentar imitar a The Beatles (o al menos al sonido y la armonía impuesta por ellos) es un arma de doble filo:

Frank Zappa, Danger Mouse (con el disco The Grey Album (Independiente - 2005), uno de los mejores discos de la década anterior según Plan B), MGMT, Animal Collective, Super Furry Animals, etc. Siempre se ha buscado esa estética psicodélica y mezcladora de aquella banda de antaño que le dió un aire serio al rock y lo llevó hacia una de las eras importantes en la música: el auge de la música popular. La obra de The Beatles merece otro post...

Ahora hablaremos de Tame Impala, un grupo australiano que lanzó su debut titulado Innerspeaker (Hablante Interior, Voz Interna, etc). En este disco nos encontramos con un revivalismo al sonido de The Beatles, donde la reverberación, eco, retraso y compresión son los "instrumentos" que se agregan a la banda. El modo de cantar se asemeja al de John Lennon, las guitarras suenan como en Revolver (Parlophone - 1966) y las atmósferas creadas son densas y psicodélicas, como en el último periodo de la banda. Ahora, ¿qué otra cosa no antes hecha nos puede traer Tame Impala que no hayamos escuchado antes en The Beatles?

Es una interesante pregunta que se responderá en varias secciones:

En primer lugar, los efectos de sonido son mejor manejados (esto debido a la tecnología actual). La banda no busca abusar de ellos, y los maneja con suma cautela para no caer en clichés. En ese sentido, Innerspeaker es un álbum balanceado donde se combinan varios efectos de estudio para producir distintas atmósferas y capas, al más puro estilo Beatles. Se nota un gran trabajo acoplando a los demás instrumentos (incluyendo a la voz) con los efectos, de donde salen canciones muy buenas como "Alter Ego" o "Runaway, Houses, City, Clouds".

En segundo lugar, la banda no buscó hacer temas parecidos a los de The Beatles, sino que ocupar todos los recursos ocupados anteriormente y a partir de ello producir un trabajo que combina rock, psicodelia, sonido pesado rozando el metal e incluso pop de guitarras. Justamente este último es el que le da el tinte especial a Innerspeaker: muchas veces es más importante el color de la guitarra que la misma voz de Kevin Parker (vocalista e instrumentista). En esta búsqueda de un nuevo sonido aparecen varias canciones interesantes como "Solitude Is Bliss" y "Lucidity", dos de los singles más importantes del álbum y que resumen de buena forma el trabajo completo.

Otro punto son las líricas, las cuales destacan los estados mentales y los deseos. Entre los estados se destaca la soledad ("Solitude Is Bliss"), inconsciencia ("Why Don't You Wake Up Your Mind?" o la misma "Lucidity"), aceptación ("I Don't Really Mind"), entre otros. Una canción muy bien compuesta es "Expectation", donde el coro es pegajoso y los arreglos instrumentales le dan el énfasis perfecto para tener la atención que necesita.

En general es un gran disco (que peca sólo de derivación) pero que al final sale airoso de la fatídica labor de tomar un conjunto de herramientas utilizadas maestramente en el pasado y volverlas a utilizar en el presente para entregar un álbum fresco y unificador (debe ser uno de los álbumes más respetados por neófobos y neófilos que salió el año pasado).

Escuche Algunas Canciones:

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Tyler, The Creator - Bastard [2009]

noreply@blogger.com (Chiko) — Mon, 17 Jan 2011 12:23:00 +0000

Tyler, The Creator - Bastard (Odd Future - 2009)

Nota: 8.6/10

Lo Bueno: Innovador y Fresco, Excelentes Líricas, Muy Buen Arte Gráfico, Featurings Impresionantes, Buena Producción.
Lo Malo: La Primera Escucha es Dificultosa, Mala Renderización Final.

Lanzado el 25 de Diciembre de 2009, Bastard, el debut del líder del colectivo artístico OFWGKTA (Odd Future Wolf Gang Kill Them All, formado por Raperos, Productores, Skaters, Artistas Gráficos y Jóvenes Sin Familia que no superan los 19 años) es uno de los discos de Hip Hop más innovadores que salió el año pasado (considerando además que el hardware utilizado para su grabación era bastante pobre: un par de micrófonos y un computador con Fruity Loops).

Y este hecho de no poseer recursos le da un aire lo-fi a la producción (que aún así está lleno de detalles y capas) qu
e en muchos pasajes retoma el camino del colectivo Mush Records (entre los que encontramos a Reaching Quiet y a cLOUDDEAD), con beats decadentes pero llenos de pads, órganos y sintetizadores, y rimas artísticas sin ninguna estructura.

Tal como dice el título, Bastard se centra en el hecho de vivir una vida sin padre (y casi sin madre) en el seno de una familia disfuncional pos-moderna. Destacando el odio hacia la persona del tutor (incluso arremetiendo contra los padrastros y padres en general), presenta una actitud nihilista respecto a la sociedad y el tradicionalismo, sentimiento que sus compañeros de colectivo comparten. Esta actitud de "don't-give-a-fuck-ness" unida a la producción decadente y atmosférica provocan una sensación oscura pero que conecta inmediatamente con el sentimiento de Tyler. En ese sentido el álbum está muy bien logrado.

Cada compañero de colectivo ayuda a configurar este álbum con su talento único. Partiendo por Taco Bennett y Jasper Loc con el grandioso arte gráfico (carátula, imágenes y videos) que combina toda la imaginería OFWGKTA: cruces svasticas, 666, fotos antiguas estrafalarias, penes dibujados, odio contra los blogs 2dopeboyz y NahRight, dibujos antireligiosos, etc. Entre los raperos que participan de Bastard está Earl Sweatshirt, Cassy Veggies, Hodgy Beats y Domo Genesis, quienes impregnan su acento propio en sus actuaciones(se destaca Earl quien luego sacaría su debut, EARL (Odd Future - 2010)).

Tal vez la primera escucha necesite mucha concentración para encontrar las estructuras (mínimas, por cierto) y sumergirse en las atmósferas llenas de sintetizadores. Sin embargo, Bastard es una experiencia fresca frente a otros discos de hip hop que "rapean de Gucci", en las mismas palabras de Tyler, The Creator.

Descargue el disco completo acá

Tyler, The Creator - VCR

Tyler, The Creator - French!

Tyler, The Creator - Parade

Los Mejores Discos (en Inglés) del 2010 Según Plan B

noreply@blogger.com (Chiko) — Sat, 18 Dec 2010 17:21:00 +0000

Acercándonos al final del primer año de la década del '10, Plan B seleccionó los mejores discos. El criterio es el utilizado anteriormente en selecciones antiguas, en el que se buscan los discos que mejor representen al año y que posean tecnicidad, emoción, producción, identidad, unicidad y creatividad.

15. The Dillinger Escape Plan - Option Paralysis

Ire Works (Relapse - 2007) es el último trabajo que The Dillinger Escape Plan lanzó. Y era un trabajo tan potente y creativo que su sucesor prácticamente debía ser su obra maestra para superarlo. En Option Paralysis encontramos un sucesor digno que continúa la línea de su disco anterior pero volviendose más rudo (como una vuelta a su vieja faceta post-hardcore), con pasajes violentos (como en "Widower" y la entrada de la batería) y sorpresivos (como en "Farewell, Mona Lisa"). Es un disco muy pesado, técnico y lleno de sorpresas entre secciones. Tal vez, el mejor disco de metal del año.

The Dillinger Escape Plan - Widower

14. Gorillaz - Plastic Beach

Plastic Beach es una humillación del pop. Es un disco muy bien producido que se acerca a propuestas mas independientes del pop, como lo son el Dream Pop (en "Broken"), New Wave (en casi todo el disco, en especial en "On Melancoly Hiil") y Pop de Cámara (en "Cloud Of Unknowing") y las utiliza para entregar un álbum fresco, entretenido y para todos los gustos. Si bien no hay himnos históricos como "Feel Good Inc." o "Clint Eastwood", está lleno de excelentes canciones (el ejemplo máximo es "Empire Ants") que muestran a una banda más madura en la composición y líricas. Con Plastic Beach, Gorillaz se vuelven más reales que nunca.

Gorillaz - Empire Ants

13. Crystal Castles - Crystal Castles II

Con el lanzamiento de Crystal Castles (Last Gang - 2008), la crítica quedó dividida entre quienes creían que su segundo disco sería mejor y entre quienes creían que su segundo disco sería la demostración de que Crystal Castles eran puro hype. Grabada en lugares tan inverosímiles como iglesias, cabinas telefónicas, garages y cementerios, Crystal Castles II es un álbum que mejora bastante su sonido y pule la producción. El sonido 8-bit no es abusado (como en su primer disco) y es combinado con sampleo ("Year Of Silence"), house ("Celestica") y hardcore punk ("Doe Deer"). Hay muy buenas canciones bailables ("Baptism" y "Vietnam", por ejemplo) pero jamás pierde esa densidad y oscuridad que caracterizaba a su primera placa. Grass ya no grita tanto (se agradece) y se dedica a experimentar con su voz (como en el espectacular final "I Am Made Of Chalk"). En todos los sentidos, Crystal Castles II es un crecimiento y triunfo comercial.

Crystal Castles - Baptism

12. Deerhunter - Halcyon Digest

Microcaslte (Kranky - 2008) es un hermoso disco que salió directamente de un estado mental aleatorio que es una mezcla del sueño y cansancio. Halcyon Digest es un hermoso disco que salió directamente de los recuerdos de infancia y juventud de cada uno de los miembros. Con inspiración en el punk y rock sesentero, se pasea por distintos recuerdos y situaciones (como la pérdida en "Don't Cry", la muerte en "He Would Have Laughed" y la felicidad de viejos tiempos en "Basement Scene"). La ingeniería de sonido (a cargo del mismo productor de Merriweather Post Pavillion (Domino - 2009), sexto mejor disco de la década anterior según Plan B) fue mejorada y la interpretación agrega sonidos a su palestra (como saxofones y sintetizadores), produciendo un disco rico en sonidos e ideas.

Deerhunter - Helicopter

11. Ariel Pink's Haunted Graffiti - Before Today

Si Plastic Beach (Parlophone - 2010) significó una humillación al pop, Before Today es una purga y resurreción. Mezclando los mejores sonidos de décadas anteriores (desde el heavy metal hasta el soft rock y pop), la banda logró crear un disco con vida propia, inclasificable y hermoso, principalmente ayudado por mejor calidad de grabación, excelentes productores de música, excelente interpretación, y por sobre todoas las cosas, canciones magistrales que hablan de lo bizarro y lo terrenal, de donde se destaca tal vez una de las mejores canciones de pop escritas durante estos últimos 20 años: "Round And Round". Además de todo esto, es un disco muy digerible y con auténtica sensibilidad pop.

Ariel Pink's Haunted Graffiti - Round And Round

10. LCD Soundsystem - This Is Happening

This Is Happening es un disco que está planeado para no decaer jamás. Desde bailes lentos pero frenéticos (en "Dance Yrself Clean") pasando por su dance punk más Sound Of Silver (DFA - 2007) en canciones como "Drunk Girls" y "All I Want" y secciones más experimentales como "Somebody's Calling Me". Lo interesante de este disco no es el sonido (en general son canciones al más puro estilo de sus discos anteriores), sino que el modo en el que se enfrenta la música. Ahora desde un punto de vista más personal y sentimental ("All I Want" es el ejemplo más claro), busca en recursos pasados (aca la comparación con "Heroes" de David Bowie es fundamental) encontrar un lugar donde descansar. Después de tres discos, This Is Happening es el final perfecto para LCD Soundsystem.

LCD Soundsystem - All I Want

9. The Budos Band - The Budos Band III

The Budos Band es una banda de jazz que (tal vez) jamás será tomada en serio. Tocando un jazz funk bastante digerible llegó al 2010 y lanzó The Budos Band III, un álbum con el que consagra su sonido funk de fácil escucha, pero ahora expandido y buscando lograr una cohesión pop que llega a asustar. Este acercamiento se escucha desde los primeros segundos (en "Rite Of The Ancients") hasta el final. El sonido es limpio y bien llenado con muy buenos solos de distintos instrumentos. Los riffs quedan pegados en el subconsciente y el ritmo es digno de película de policias de los 70's. Subestimados siempre, The Budos Band III es una invitación funk a colocarle pausa a la música que uno está acostumbrado a escuchar y darle una oportunidad a propuestas igual de simpáticas y digeribles.

The Budos Band - Unbroken, Unshaven

8. Diego Bernal - "Besides..."

"Besides..." es el disco de sampleo y disco gratuito del año. Pensado como una especie de lado B de su grandioso debut, For Corners (Exponential - 2009), lo supera principalmente en el hecho de que las canciones cuentan con nuevas estructuras, jugadas y agresivas pero a la vez digeribles. El sonido es mucho más limpio, las canciones poseen ese innegable tinte latino dado por samples de jazz latino, se crean atmósferas tensas con pocos recursos (menos samples que en su debut) y al final, logra configurarse como un disco sólido por sí sólo, sin la necesidad de escuchar su anterior discografía. En ese sentido, "Besides..." es todo un triunfo y un paso adelante en la carrera de Diego Bernal.

Escuche (y/o descarge) el disco completo acá

7. Janelle Monae - The ArchAndroid (Suites II And III)

Si se trata de discos únicos, The ArchAndroid es uno de ellos. Una combinación de estilos única tomada desde un punto de vista futurista, con claro mensaje y casi perfecta interpretación. Con un registro vocal muy variado que pasa rápidamente del rapeo al falsette y al canto folcklórico, Janelle Monae es (de por sí) una cantante excéntrica rodeada por excelentes productores y músicos, quienes en conjunto traen un disco que se pasea por lo cálido y lo frío, lo claro y lo oscuro, lo pop y lo experimental. Se nota un gran esfuerzo en este trabajo, especialmente en construir dos trabajos en uno de manera de que la escucha fuese fluida. Y en ese sentido, ArchAndroid es un triunfo rotundo. Un disco que cualquier persona (desde fanáticos de Jimi Hendrix en "Mushrooms And Roses", OutKast en "Cold War", LCD Soundsystem en "Come Alive (The War Of The Roses)", Bright Eyes en "57821" o "Oh Maker", etc.) puede disfrutar.

Janelle Monae - Tightrope

6. Big Boi - Sir Lucius Leftfoot: The Son Of Chico Dusty

Uno de los debuts más esperados en el último tiempo tardó casi 3 años en salir. Big Boi, la otra mitad de OutKast ya había lanzado Speakerboxxx/The Love Below (LaFace - 2003), uno de los mejores discos de la década anterior según Plan B, pero en The Son of Chico Dusty encontramos un disco muy fresco y lleno de ideas. Tomando el manoseado sonido de discotecas y llevado a un nivel respetable por músicos y djs, utiliza recursos del rock alternativo (la introducción grunge en "Tangerine", el tratamiento rock clásico de la guitarra en "The Train (Sir Lucius Left Foot Save The Day)" y el genial acompañamiento en "Hustle Blood"), del funk clásico y de su trabajo en OutKast para traer un álbum que no para, al que no se le escapa ningun detalle y que es digno de la discografía de su banda principal.

Big Boi - Shutterbugg

5. Gonjasufi - A Sufi And A Killer

Capas y capas de atmósferas creadas a punta de samples de vinilos orientales, una producción perfecta y muy exigente, líricas opulentas y místicas, tratamiento de la voz como ningún otro disco en el año, estructuras cortas al más puro estilo de Donuts (Stones Throw - 2006), canciones pegajosas que hablan del amor y lo onírico, samples que van desde canciones de bollywood hasta canciones protopunk y disco, excelente material complementario (libro de oraciones y excelente carátula), conciertos enérgicos dignos del hardcore punk, y mucho más es lo que entrega Gonjasufi en uno de los mejores debuts del año.

Gonjasufi - Suzieq

4. Beach House - Teen Dream

Tener a miles de fans enganchados con un puñado de canciones excelentemente fabricadas es un lujo. Tener entre esos fans a músicos como Jay-Z, Beyoncé, Katy Perry y otros artistas con gran fama es sólo un lujo que una banda como Beach House puede darse. Considerando que de Devotion (Carpark - 2008) a Teen Dream hay un gran cambio (este último disco es mucho más luminoso que sus discos anteriores), se nota un crecimiento musical que ha agregado más métodos a la palestra de la banda. Un disco netamente pop que no deja indiferente a nadie, especialmente porque puede ser abordado desde un punto de vista fácil (notando muy buenas letras, estructuras fáciles y melodías con color claro) como desde un punto de vista melómano (donde se destaca la gran cantidad de detalles puestos como capas, atmósferas, uso intensivo de efectos de estudio, etc). Un disco respetable que ya no se siente como un funeral: ahora llegó la luz a la casa en la playa.

Beach House - Zebra

3. Flying Lotus - Cosmogramma

Flying Lotus sorprendió al mundo con Los Angeles (Warp - 2008), un disco denso y que mostraba una faceta hip hop muy avanzada. Cosmogramma es un paso más allá. Uniéndose al sonido Warp (instaurado por grandes como Aphex Twin, Squarepusher, Prefuse 73 y Plaid, por nombrar algunos), busca un nuevo sonido que combine dubstep, hip hop, jazz fusión e improvisaciones, música barroca, solos de bajo y sonido espacial. El resultado de todo esto es Cosmogramma, que es más que un álbum conceptual: es un álbum en el más puro de sus significados. Perfectamente cohesionado, se puede desmenuzar en todas sus canciones sin ningún problema. Pero unidas en Cosmogramma toma un significado más profundo: el todo es mayor que la suma de las partes. Un viaje espacial donde el arpa gana un papel fundamental, el bajo pasa de un modo susurrante a agresivo, los arreglos orquestales son épicos y donde Flying Lotus logra mezclar de la manera más cohesionada posible un collage de emociones y armonías que se transformaron en 43 minutos de verdadera música.

Flying Lotus - MmmHmm

2. Arcade Fire - The Suburbs

Cuando escuché The Suburbs en primera instancia tuve varios sentimientos: en primer lugar, es un disco que habla sobre la vida en los suburbios (un tema cliché para un disco conceptual que ya se había tratado, por ejemplo, en American Idiot (Reprise - 2004), uno de los mejores discos de la década según Plan B). Desde esta primicia se fue construyendo un álbum sólido con excelentes canciones rock donde se nota un gran crecimiento musical (desde la desenfrenada aventura en Funeral (Merge - 2004) y la muy triste Neon Bible (Merge - 2007)). Conservan la emoción en el desplante (es cosa de escuchar "Empty Room"), pero mejoraron su interpretación, dándole a las canciones una base sólida donde poder afirmarse de los innumerables ataques y recuerdos que las líricas nos quieren plantar. Es un viaje por la infancia y por el presente, y el álbum cambia de secciones enérgicas a otras más folk ("Sprawl" I y II son el ejemplo más claro) para crear la atmósfera adecuada. En general es un disco genialmente interpretado, con muy buenas líricas y detalles que buscan ese despertar de los recuerdos más profundos de la vida pasada. El paso correcto para la banda: su primer disco de rock de estadio.

Arcade Fire - Empty Room

1. Kanye West - My Beautiful Dark Twisted Fantasy

El mejor disco del año apareció en la última semana de noviembre y es de hip hop. Acá es donde saltan músicos, neófobos y rockeros en general. Está bien que no se trata de un álbum donde la interpretación musical sea su punto fuerte, pero tal vez el aspecto que más juega a favor de My Beautiful Dark Twisted Fantasy es la opulencia de la producción. Jamás en la historia del hip hop se había creado un disco tan lleno de detalles, los que juegan el papel más fundamental del álbum: son ellos los que le dan la atmósfera grotesca y sombría y los que aumentan la tensión en las distintas partes de las canciones. Tanto samples, sintetizadores, cantos de coros, arreglos orquestales, fragmentos hablados, vocoders y cuanto más hay en el mercado de la electrónica son los elementos (detalles) que adornan los pensamientos oscuros y extraños plasmados en rimas filosas pero llenas de honestidad (por ejemplo, "Runaway", uno de los mejores singles del año). Kanye West retorna a su época clásica y de ahí toma lo mejor para ofrecer uno de los discos de Hip Hop más innovadores desde cLOUDDEAD (Sí, un disco que roza lo experimental), donde los prejuicios a su persona pueden servir para calificar a My Beautiful Dark Twisted Fantasy como una joya de la música popular o como puro hype. En Plan B decimos lo primero.

Kanye West - Power

Los Prisioneros - Corazones [1990]

noreply@blogger.com (Chiko) — Tue, 21 Sep 2010 02:25:00 +0000

Los Prisioneros - Corazones (EMI - 1990)

Nota: 9.1/10

Lo Bueno: Excelentes Líricas, Buena Calidad de Grabación, Inspirado, Variadas Mezclas Musicales, Nueva Faceta Romántica Funciona Excelentemente.
Lo Malo: Caida en Clichés, Redundante.

1990 es el primer año después del triunfo del No. Los Prisioneros habían gozado de una gran fama nacional e internacional gracias a sus importantísimos discos sacados en la década anterior con letras contestatarias y actitud punk, con un sonido new wave que mezclaba su anterior experiencia hardcore con los sonidos sintetizados que reinaron una década completa. Ese año, Los Prisioneros hicieron el disco más punk de su carrera: con canciones románticas y sonido más melódico.

Corazones está alimentado por el odio, las puñaladas por la espalda y las infidelidades, y todo se debe a una experiencia amorosa entre Jorge González y la esposa de Claudio Narea, que gatilló la aspereza en la relación entre ambos músicos y separación previa al lanzamiento. De corte más electrónico, el uso de sintetizadores es más intensivo y mejorado. La sonoridad de Los Prisioneros en Corazones marcaría un antes y un después en la carrera de la banda, donde abandonan la rigidez sentimental de sus discos anteriores y emerger al final como una banda que supo combinar magistralmente muchas temáticas sin inmutarse.

Corazones está lleno de hits radiales muy conocidos. La más conocida de todas las canciones es, sin duda, "Tren Al Sur", donde se ven las últimas pasadas a la crítica social. La calidad de grabación es excelente, donde se escucha perfectamente cada detalle sin el uso de efectos distorsionadores del sonido. Se prefirió una grabación limpia, que le da gran preponderancia al órgano repitiendo el riff simbólico de la canción. La letra es lo mejor, refiriéndose al aburrimiento de la ciudad y los recuerdos de la infancia al pasar raudamente en tren hacia el sur. El final de la canción da a entrever un relajo y alegría al llegar al sur, muy bien representada por un vapor de tren sintetizado.

"Amiga Mía" debe ser el tema más representativo de la relación entre la esposa de Claudio Narea y Jorge González. Se nota un crecimiento musical que toma como inspiración a bandas como Pet Shop Boys y Depeeche Mode. Un sonido más íntimo, sensual y sintetizado es el que suena de fondo mientras González habla en tono melancólico y melodramático el fin de una relación marcada por lo sexual y lo romántico. El coro está muy bien logrado, donde de una voz casi susurrante pasa a una voz sufrida, donde además el órgano aumenta su intensidad, aumentando así la tensión de gran forma.

Un tema particularmente único es "Corazones Rojos". Rapeando, Jorge González le canta al feminismo y a la liberación, con una letra completamente antagónica. El beat encontrado fue la batería electrónica de Miguel Tapia con un sintetizador de bajo parecido al de "Amiga Mía". El coro es el segmento más conocido, donde gritando "Hey, Mujeres!" y recurriendo a acordes bajos menores, logra un color muy poderoso y triunfante.

El resto de temas están ligados a puñaladas por la espalda y sufrimiento sentimental. Por ejemplo, la popular "Estrechez de Corazón" habla sobre la indiferencia entre dos amantes. La estrechez de corazón es la incapacidad de colocarse en el lugar del otro. La banda decide agregar distintos detalles a la canción (como el ahora popular "chan") para marcar melodramas, tormentos y lugares incómodos.

"Por Amarte" es lo más parecido al sonido de Pet Shop Boys donde también se adhiere a la letra ligada al sufrimiento y odio. La música es "Es Muy Triste" es de lo más inverosímil que se puede encontrar en el disco. Un vals sintético acompaña a una letra triste que va desde el sufrimiento hasta el "peloteo" del dolor de una persona a otra. "Noche En La Ciudad (Fiesta!)" es un tema dedicado a la mayoría moralista que considera la diversión como pecado.

La portada sirve para presentar aún mejor esta idea de puñal por detrás. La traición marcada en sangre sobre una camisa (donde el modelo es el mismo Jorge González) cumple el objetivo de mostrar gráficamente lo que la banda intentó decir en 45 minutos de excelente música donde combina lo mejor de su repertorio anterior y lo amplifica hacia un horizonte que parecía lejano al sonido original de Los Prisioneros pero que domina con maestría única.

Los Prisioneros - Tren Al Sur

Los Prisioneros - Amiga Mía

Los Prisioneros - Corazones Rojos

Los Prisioneros - Estrechez de Corazón

Los Tres - Fome [1997]

noreply@blogger.com (Chiko) — Tue, 14 Sep 2010 02:56:00 +0000

Los Tres - Fome (Sony/Columbia - 1997)

Nota: 9.5/10

Lo Bueno: Excelentes Líricas, Excelente Carátula, Muy Buena Interpretación, Muy Buena Introducción y Final, Excelente Manifestacion de Estados de Ánimo, Dinámico, Muy Buena Combinación de Géneros Musicales.
Lo Malo: A Veces Suena Derivativo.

Es el año 1995 y Los Tres se convirtieron en una de las bandas más importantes de los 90's en Latinoamérica. La grabación de La Espada y La Pared (Sony - 1995) y Los Tres MTV Unplugged (Sony - 1995) los llevó a la cúspide del rock en español, donde compartieron escalafón con bandas como Héroes Del Silencio, Café Tacuba, Caifanes, etc. El éxito abrumador del disco trajo como productos secundarios (además de la alabanza mediática y popular) dinero, fama e influencia.

Y quien se sintió más acomplejado fue el mismo Álvaro Henriquez, el vocalista y guitarrista de la banda, quien compuso dos canciones (de las cuales se hablará después) que metaforizarían sus sentimientos con respecto al mercado musical y éxito alcanzado: "Bolsa de Mareo" y "Toco Fondo". Estas canciones fueron las piedras angulares de Fome, el cuarto disco de estudio de la banda, que coloca principal énfasis en una emoción imponente y constante a lo largo del disco: el miedo.

Fome es un disco tan denso que necesitó un complejo proceso de grabación basado en el estado de ánimo de la banda. Y eso se nota en la cantidad de temas y colores mostrados en cada una de las canciones: desde ironías hasta depresiones, de celebración a ayuno, de amor a odio; todo tan perfectamente camuflado (a través de metáforas, antítesis y exageraciones) que Fome se transforma en un tour-de-force para quien desee ingresar en este humano recorrido.

Vamos:

La introducción está dada por la instrumental "Claus", producida por Titae, que es una mezcla de un rock sesentero con el jazz más cercano a ellos (a través de Angel Parra Trío). Un sonido muy limpio que deja entrever que algo grande se viene, por la complejidad y sonoridad ruidosa para el final de la canción. Inmediatamente inicia con "Bolsa de Mareo", considerada por la mismas banda como una de las canciones centrales del disco. Hasta el nombre es enigmático, y para deducir el por qué, es necesario revisar la lírica:

Contrátame una gira por el sol,
págame en estrellas por favor.
Bolsa de mareo sentado en pié.
qué es eso que miras y no se ve.

Según Álvaro Henríquez, se trata sobre la incapacidad de agarrarse a algo cuando se está en el estrellato. Y esa incapacidad se transforma en inconformidad y hastío. Musicalmente los coros son estridentes y ruidosos, mientras que los versos y puentes son suaves pero bien estructurados, dándole preponderancia a la voz de Henríquez que se multiplica para el coro y el final.

La otra canción importante viene a continuación, "Toco Fondo", que expresa un sentimiento muy parecido: dejar que todo pase sin hacer nada. Según la banda, es el manifiesto para salir de ese estado de insatisfacción y repudio. Aún así se muestra un claro estado de hastío que se mantuvo desde "Bolsa de Mareo":

(...) No Veo Risas, Me Alimento de Luz (...)

Uno de los temas más populares del disco es "Olor a Gas". Un rock sesentero con un ritmo, melodías y armonías muy nostálgicas que gana un gran corte emocional al llegar al coro, donde aumenta la tensión e intensidad de la ejecución. El falsetto de Henríquez está muy bien alcanzado y logra ese enganche que le dio fama al tema.

El disco, como se comentó anteriormente, posee un gran dinamismo con respecto a sus ritmos, géneros musicales inspiradores y estados de ánimo. El primer gran cambio se produce en "Antes", donde el ritmo rápido de batería y la voz más viva provocan un emotivo cambio de ánimo que vuelve a decaer en "Fealdad", con un ritmo circense triste que provoca una antítesis clara entre la instrumentación y la lírica:

Hace tiempo que no
Queda nada que hacer
Salir de ésto.
Orugas, moscas
Y un mal olor en la piel
Me deja muerto.
Un aburrimiento
Mortal hacia a ti
Me deja abierto
Abierto por tus uñas mi unico amor
Tambien lo siento.
Fealdad.

Otro tema muy importante en la carrera de Los Tres es "Jarabe Para la Tos". Un tema simple y plano pero que posee una metáfora muy interesante. Se asocia principalmente con algo o alguien que "alivia el dolor", que siempre está para ayudar ("Cada ocho una sopera, tómese dos ...") y que se muestra tajante en la sanación ("Siempre aguda y penetrante, mancha y se derrite en mi boca, no en mis manos ni en mi boca ..."). Una letra muy inteligente que se camufla muy bien con el ritmo instrumental.

Uno de los temas más profundos y emocionales del disco es "Me Arrendé". Cantada e interpretada únicamente por Álvaro Henríquez, la letra trata el tema de la auto-superación, el reencuentro consigo mismo, y la sanación de las heridas que deja la vida. Principalmente está basado en su experiencia y opinión sobre la fama, se muestra decidido a continuar y no frenar su crecimiento por la oscuridad. Destacar que el sonido alcanzado por la guitarra es muy parecido al de Sonic Youth en Daydream Nation (Enigma - 1988), un sonido sónico y resonante, hermoso y único.

Como se habrán dado cuenta, la lírica juega un rol fundamental en la música de Los Tres. Nuevamente otra metáfora (más bien, una fábula) se presenta en "La Torre de Babel", el tema más enérgico del disco. Narrando la historia del cigarro Gabriel, que por travieso y curioso, se termina mojando y ahogando en un río. El final de la canción dice "Solamente un buen fuego, puede dar muerte a un cigarro. Pero si muere mojado, es igual que si a un hombre lo mataran colgado". Tal vez es uno de los temas más creativos que haya hecho la banda en su carrera, tanto por la genial fábula como por el sonido jazzístico de gran complejidad en la ejecución, donde juegan con la rítmica y la estructura magistralmente.

"Largo", una canción instrumental que, al igual que "Claus" se va desordenando para el final, da final al disco. Fome es un disco complicado para escuchar de principio a final, pero que al final deja como resultado uno de los mejores discos chilenos de los 90's. Principalmente por su capacidad de representar el miedo y de universalizar este concepto en letras que, si bien se aplican al miedo al estrellato, se pueden utilizar en distintos ámbitos de la vida, dependiendo justamente del estado de ánimo del auditor. Nuevamente dejan abierta la puerta para re-conocer el disco: un enganche inmediato que pocos selectos y grandiosos discos poseen.

Los Tres - Bolsa de Mareo

Los Tres - Olor a Gas

Los Tres - Me Arrendé

Los Tres - La Torre de Babel

Electrodomésticos - Viva Chile [1986]

noreply@blogger.com (Chiko) — Sat, 04 Sep 2010 08:48:00 +0000

Conmemorando este mes dedicado a la música chilena que marcó estos 200 años, Plan B comienza con uno de los discos experimentales más importantes de los 80's:

Electrodomésticos - Viva Chile (EMI Odeón - 1986)

Nota: 10/10

Lo Bueno: Único, Excelente Guitarras, Trabajo de Sampleo Perfecto, Innovador, Muy Buen Trabajo Vocal, Quiebre de Estructuras Funciona Muy Bien, Idea Maestra.
A Mejorar: Producción Muy Rápida.

Electrodomésticos es un trío santiaguino formado por Carlos Cabezas, Silvio Paredes y Ernesto Medina. Tocaron muy pocas veces en vivo y su registro resultó ser modesto en un inicio. Luego de algunas presentaciones recibieron una oferta de EMI Odeón para grabar su debut. Carlos Cabezas creyó que se trataba de una broma.

Sin embargo se trató de una oferta seria, y rápidamente grabaron Viva Chile, uno de los discos chilenos más importantes de los 80's (tal vez después de La Voz de los '80 (EMI Odeón - 1984) de Los Prisioneros). En una obra inclasificable (para la época y contexto histórico en Chile), Electrodomésticos busca, en palabras de Cabezas, "entregar una segunda interpretación a las cosas que rodean nuestro paisaje". Y es que el paisaje en los ochentas en Chile era controlado por una cultura que mezclaba lo extranjero y lo nacional a través de un control estricto de los medios de comunicación. Esa influencia se nota en los samples (primera vez que se aplica tan avanzada y ampliamente esta técnica en un álbum chileno), recolectados de emisoras AM y programas de televisión.

Partiendo con el tema que le da nombre al álbum, nos encontramos con la canción de inicio de TVN en los años 80, que apresuradamente desemboca en un diálogo radial con Yolanda Sultana y Carlitos Bencini. El tono y beat del tema instrumental recuerdan bastante al Pink Floyd de Animals (EMI - 1977). Solos intermitentes que contraponen a las palabras de Yolanda Sultana son la tónica de la canción, que mezcla lo sónico y lo contundente. Las frases de Yolanda Sultana destacan un abierto nacionalismo ("¿El Futuro de Chile Adonde Está? En ese mar que tranquilo nos baña. Ahí está el alimento nuestro diario. Es tan barato el pescado y no lo sabemos utilizar. Amigos queridos, Yolanda Sultana les dice: ¡Viva Chile!") y molestia con los liberales ("Es impresionante ver lo que piensa la persona y no aguantarse, Carlitos, y decir "Chita", que la persona que está frente de mis ojos no vale nada. O la persona que está frente de uno vale tanto y lo veo con pantalones de mezclilla. Y es un abogado, un científico ...").

Para la época, nadie entendía el por qué de las palabras descritas y re definidas musicalmente por la banda, y es lo que le da más valor al disco: arriesga y cambia el fondo, no la forma. Va más allá del decir literalmente, sino que busca decir y cambiar desde atrás, a las mentes que lograron entender el nuevo significado que se le daba al paisaje cultural chileno de esa época. Tal vez esa incomprensión hizo que lograran seguir tocando y vendiendo discos a lo largo de los 80's sin ser censurados. Una jugada maestra.

Y este paisaje, que esta compuesto por una parte nacional y por otra extranjera, tiene otras caras. Por ejemplo, "Sirvase Una Empanadita" coloca el sample de un americano hablando acerca de su gusto por las mujeres en la playa y sus ganas de ir y conocerlas. Un diálogo que prepondera el afán extranjero por conseguir mujeres (en este caso chilenas pero en general latinas) candentes y fanáticas de la diversión, así como el venir a Chile a disfrutar de todas sus bondades (acá metaforizadas en la empanada). El ritmo pseudo-pop con una estructura complicada y poco clara da libertad a los músicos para que hagan lo que les plazca, desde deformar la estructura inicial hasta cambiar el ritmo y color de la canción en general. Esta libertad creativa es constante a lo largo del disco. Un ejemplo más claro de esta libertad la encontramos en la irónica "Andy Panda Va A Alemania", donde lo único constante es el ritmo de la batería, pero el sintetizador, la guitarra y los samples son casi aleatorios.

Un aspecto super interesante en la producción del disco es el trabajo vocal a cargo de Carlos Cabezas. Hay dos trabajos muy importantes que dan cuenta de esto:

"Cariño Malo" es un poema que, debido al genial uso de vocoder, no es fácil de entender. Principalmente cuenta la historia de un vagabundo al cual nadie lo acoge principalmente por el miedo generalizado circundante en la villa. Es impresionante el modo en el que recita: una voz plana que se deforma con el vocoder y que agrega más rareza a la pieza cuando, magistralmente, agrega más voces para enfatizar una frase. Justamente estas frases estaban relacionadas con el miedo. Y Electrodomésticos sabe aprovechar muy bien estos énfasis para agregar solos de guitarras precisos y libres que le dan intensidad y dinamismo a un tema que de por sí es plano (para representar el miedo colectivo).

El otro tema es el más representativo del disco: "Yo La Quería". Colocándose en el papel de Jorge del Carmen Valenzuela Torres (también conocido como El Chacal de Nahueltoro), Carlos Cabezas toma un tono desquiciado y sombrío. Relatando lentamente el asesinato de su mujer, el tema fluye sin estructura alguna. No hay conexión aparente entre secciones, salvo algunas partes del riff inicial que se repiten a veces. La interpretación magistral del tema (y el nombre del tema también ayudó) hizo que se convirtiera en el primer single del disco. El nombre hizo que varios ilusos creyeran que se trataba de una balada al estilo de Palmenia Pizarro (el enganche perfecto). "Yo La Quería" representa a modo de resumen el sonido que Electrodomésticos quería alcanzar: creativo, innovador, único y controversial.

El resto de los temas siguen una organización parecida: samples que reemplazan a las letras, instrumentación plana inspirada en el new wave británico, estructura pobre o casi inexistente, solos de cada instrumento muy bien logrados e interpretados, personajes y situaciones grabadas que representan sectores de la sociedad ("No Estás Viviendo Bien" en el caso de los cristianos protestantes, "Gritzko (El Gitano)" a los lachos, "Tai Tai" a los inmigrantes, etc.)

Lo anterior parece una fórmula, pero sólo es producto de una idea brillante. Electrodomésticos fue un paso más allá al sonido protestante de la época, logrando un sonido inteligente y único. Influenciado por los sonidos del rock artístico y uso de samples (en discos como My Life In The Bush Of Ghosts (Sire - 1981) de Brian Eno y David Byrne (Talking Heads)), logró plasmar un pedazo de la cultura chilena de los 80's y encapsularla en 44 minutos de viaje cósmico al centro de la sociedad, para entenderla, analizarla y enfrentarla. Ni siquiera Los Prisioneros lograron hacer eso.

Electrodomésticos - Viva Chile

Electrodomésticos - Andy Panda Va A Alemania

Electrodomésticos - Yo La Quería (Videoclip)

Slayer - Reign In Blood [1986]

noreply@blogger.com (Chiko) — Mon, 16 Aug 2010 03:17:00 +0000

Slayer - Reign In Blood (Def Jam/Geffren - 1986)

Nota: 10/10

Lo Bueno: Clásico del Metal, Duelos de Guitarra Perfectos, Excelente Atmósfera, Mezcla de Tecnicidad, Rapidez y Ruido, Muy Buenas Líricas, Muy Buen Inicio y Final, Buena Producción, Buena Carátula, Innovador e Influyente.
A Mejorar: Pobre Calidad de Grabación.

1986 es considerado el último año del hardcore punk. Toda una oleada que sacudió a la juventud norteamericana de músicos que tocaban a máxima velocidad sin ninguna clase de virtuosismo técnico acababa, y las bandas importantes se pasaban a otros géneros (Bad Brains (Reggae), DOA (Heavy Metal)) o se separaban (Black Flag, SSD). Este mismo año el thrash (y en general el metal) comenzó a ganar muchos adeptos, en especial gracias al lanzamiento de Master Of Puppets (Elektra - 1986), y Peace Sells ... But Who Is Buying? (Capitol - 1986) de Megadeth.

Slayer saltó de Metal Blade Records (donde grabaron su debut, Show No Mercy (Metal Blade Records - 1983) y Hell Awaits (Metal Blade Records - 1985)) a Def Jam Records (que poseían un contrato de distribución con Columbia Records). Debido a problemas con la carátula y las líricas de las canciones (en especial, "Angel Of Death"), Geffren Records decidió lanzar el álbum. El resultado fue muy bueno, entrando en el Billboard 200 y de paso lanzar uno de los discos más influyentes del metal.

Reign In Blood es el disco más furioso, rápidamente tocado y más limpio de la banda. A través de canciones que no sobrepasan los 3 minutos (con excepción de "Angel Of Death"), encuentra un sonido que se contrapone al ruido y progresismo de sus discos anteriores, logrando un equilibrio entre la tecnicidad y la rapidez, aspectos definitorios del thrash metal. La rapidez, la carta sacada directamente del hardcore punkque juega Slayer (y con la que gana) se junta con líricas muy bien escritas y sin rodeos forman la estructura, mientras que la gran calidad instrumental de la banda para producir duelos de guitarras, baterías a más de 200 BPM (casi tan rápido como el Drum And Bass) y atmósferas infernales con pocos instruentos le da carne al proyecto más importante de la banda, y del metal.

"Angel Of Death" es el tema más importante, más largo y más controversial del disco. Refiriéndose al médico de guerra y director del campo de concentración Auschwitz, Josef Mengele (apodado el "ángel de la muerte" por los numerosos y crueles experimentos con prisioneros), Slayer expone el manifiesto del cómo sonará el resto del álbum: rápido, furioso, instrumentalmente impresionante, desesperante y atmosféricamente infernal. Como la mayoría de los temas, se toca en Mi Bemol Menor, "Angel Of Death" está dividida en cuatro partes: la introducción (el escalofriante y agudo grito inicial de Tom Araya) junto a los primeros dos versos y sus coros, un interludio, un duelo de guitarras y el final (que corresponde ser el coro final). Una rapidez promedio de 210 BPM y unos solos furiosos (shredding) intercalados por Kerry King y Jeff Hanneman son la tónica del tema, mientras que la lírica es muy buena. Explicando textualmente los distintos experimentos que hacía el médico, se convirtió en un tema controversial al referirse (y al parecer, apoyar al nazismo con frases como Auschwitz, the meaning of pain, the way that I want you to die). Toda esa crítica hizo lo contrario, ganando más adeptos y vendiendo más discos. Esta mezcla de lírica e instrumentación se unificaron en uno de los manifiestos del thrash metal.

El proceso de producción de las distintas canciones fue muy parecido: se escuchaba un disco de thrash metal que ya hubiese salido (en este caso, Master of Puppets), se le quitaban los riffs interminables y repetitivos, se tocaba a máxima velocidad y luego se escribían las líricas. La fórmula resultó infalible para todos los casos (al menos en Reign In Blood), poseyendo además el valor agregado de una perfecta instrumentación de la música. Lo interesante es que la música posee coros escasos y pasados muy rápidamente (para evitar caer en clichés). Por ejemplo, "Epidemic" cumple esta fórmula a la perfección: solos muy rápidos y complicados, letra explícita, rapidez extrema de la batería y estructura mínima pero innovadora.

El disco se caracteriza por las pobres melodías (sacadas a luz recién después de muchas escuchas) y los riffs muy poderosos. Por ejemplo, "Necrophobic" (el tema más rápido) no posee melodía digerible a la primera. La voz recita (rapea) a máxima velocidad, el riff de guitarras es extremo (sirve más para generar la atmósfera que para otra cosa) y la batería es impresionantemente imparable. El tema más extremo del disco (al menos, instrumentalmente). Otro ejemplo de lo mismo es "Criminal Insane". Una introducción constructiva que da paso a un riff a máxima velocidad que crea la atmósfera perfecta para hablar de otro asesino más. La construcción del tema de a poco es una de las acciones más arriesgadas tomadas en el disco, principalmente por el hecho de partir lento e ir agarrando fuerza a lo largo del tiempo.

Se tiende a confundir el hecho de tocar muy rápidamente con el hecho de deformar estructuras. En general Slayer hace las dos, produciendo experimentos muy interesantes. Un ejemplo de la confusión se produce en "Reborn" (la cual posee una estructura típica de rock) y en "Piece By Piece" (la cual sí rompe la estructura rock).

Los temas para las líricas ya no van ligadas directamente al satanismo (como en el caso de Hell Awaits), sino que se decanta por historias, descripciones y pensamientos. Desde historias de asesinos seriales, pasando por pensamientos acerca de la muerte, la religión y lo insano, deteniéndose en ésto último para describir con lujos y detalles cada uno de los sucesos. Por ejemplo, "Epidemic" dice en su segundo verso:

"Unyielding kings of agony
Test your body chemistry
Pulmonary overthrow
Possession of your inner throne
Invasions quickly override, Malicious domineering strike
Flood your veins commit slow death
Deteriorate your makers met"

La violencia y agresividad del disco se deben principalmente a la densidad de los riffs y la rapidez con la que se toca. El momento cumbre de la desesperación y agresividad está justo al final del disco, en "Raining Blood". El final es espectacular y único. El riff de guitarra antes del solo final aumenta la presión, los solos intercalados a la máxima velocidad del disco se camuflan perfectamente con el riff que suena de fondo, aumentando aún más la presión. Al final la batería varía su ritmo y la lluvia cae inesperadamente. El único descanso al final de estos 29 minutos es la lluvia cayendo, tanto para la banda como para el auditor.

Un viaje a través del infierno. La atmósfera densa creada en 29 minutos es algo que influenciaría pronto a una casta de bandas de distinos géneros musicales (Sonic Youth se declaraba fan de Slayer, por ejemplo). Reign In Blood es un disco único, agresivo e inteligentemente producido, en el cual se produjo el sonido que definió el thrash metal, un género eterno que hasta el día de hoy continua sumando adeptos a lo largo y ancho del mundo.

Slayer - Angel Of Death

Slayer - Raining Blood (live)

Slayer - Reborn

Slayer - Necrophobic

tAmC?

noreply@blogger.com (Chiko) — Sun, 08 Aug 2010 06:43:00 +0000

Bienvenidos a la Primera Entrevista hecha por Plan B: La Otra Alternativa. Ojalá sea la primera de muchas que se realicen. A continuación entrevistamos a una banda emergente de pixel noise: tAmC?

tAmC? es un trío porteño conformado por Pobla (Pablo Garrido, derecha), Stalker (Tomás Rojas, izquierda) y Freddie (Freddy Medina, centro). Su propuesta musical invita a la descarga furiosa de lívido y frustración, no siguiendo ninguna estructura musical tradicional, recurriendo a samples bizarros, temas incoherentes y gritos de todo tipo (orgásmicos, furiosos, eufóricos, etc.) , en una mezcla que han denominado “pixel noise”, la cual posee como influencias directas la música industrial, experimental y noise.

tAmC? nació del aburrimiento y de la insatisfacción. Y justamente es lo que se manifiesta a través de sus 15 producciones musicales de carácter no-fi. Poco virtuosismo musical, grabación improvisada y fallos de vocalización, afinación y rítmica son la firma de cada uno de ellos. Tal como lee, puede tratarse de una crítica destructiva contra esta banda; sin embargo es la cruda realidad de un sonido crudo que proviene de una de las bandas más promisorias en el ambiente experimental de Valparaíso.

Es por esto mismo que Plan B quiso estar presente en la grabación de su décima Sesión titulada “At Fornication” (el nombre más corto y representativo para una sesión de tAmC?) para realizarles una entrevista a los tres sujetos detrás de los gritos y la furia desatada en el micrófono. El lenguaje puede sonar un poco soez pero se intentó trascribir la entrevista de la forma más fidedigna posible para representar la actitud de la banda.

Plan B: ¿Cómo se formó tAmC?
Tomás: Una tarde nos juntamos con el Pobla, con el que ya andábamos con la huevada bizarra y freak (debo reconocer que soy un fan del Pobla de por sí por KPFF), escuché KPFF (Independiente - 2006) y descubrí que también era un huevón bizarro pa’ la callampa. Así que decidí decirle un día que hiciéramos alguna huevada, convocamos tres personajes cercanos y decidimos hacer nuestra primera sesión (At Afternoon Night With Carleston And Primos 1 y 2 (La Mansa Cachaita - 2009)). Y así comenzó toda la mierda.
Pobla: Sobre eso, durante mucho tiempo estuve buscando música rara y llegué a la música noise, especialmente a la banda Mosaicodemia, y una vez que los escuché quedé loco, eyaculé y me encantó la idea de hacer algo así, algo que no usara la técnica ni el virtuosismo. Entonces le dije al Tomás “hagamos una huevada mala”…
Tomás: Ahh sí po’. Había un guarén ahora que me acuerdo.
Pobla: Sí, “hagamos una huevada mala” y nos juntamos un sábado y grabamos el disco.

Plan B: Hablaron recién de KPFF. Escuché el disco y era una música super frustrada.
Pobla: (Risas)
Tomás: No creo que sea una frustración. Más bien tomamos elementos e ideas de KPFF cuando nos quedamos cortos. Si también somos humanos y ¿qué tanta huevada?. KPFF es en realidad una huevada tan pendeja que representa el espíritu de lo que estamos haciendo nosotros que estamos más condicionados a lo que hacemos ahora de más adultos. En el fondo es la frustración de revivir constantemente el niño que llevamos dentro.

Plan B: Tomás es multi instrumentalista (estudia música). ¿Por qué decidiste tocar no-fi?
Tomás: Porque tAmC? es la única cosa que me da libertad de expresar todo el dolor, el lívido, la cagada que tengo dentro. Personalmente encuentro al noise la música más ruda y enérgica, en cambio en los otros géneros te limita la técnica musical. Como en tAmC? no existe técnica, me permite realmente comunicar lo que quiero, que es romper lo más posible la estructura, ir más allá de cómo suene, de lo que significa nuestra música y romper con absolutamente todo: con la música en sí.
Pobla: Incluso más allá. Buscamos atacar a la razón misma, a la técnica. La jerarquía social siempre está basada en la técnica, y en nuestro caso estamos mandando a la mierda la técnica y la razón. Entonces es como ser punks pero buena onda.
Tomás: Y que se bañan de vez en cuando (risas).

Plan B: Cuéntennos acerca de los galletas (invitados a las grabaciones)
Tomás: Invitamos a gente con cierta cercanía y que también conozcan de nuestro proyecto. Hablando de gente en especial, el Carlos (tecladista de Combo Breaker) invitó a sus primos que justo estaban en Valparaíso. Jamás volvimos a saber de ellos.
Pobla: Yo cacho que ya se mataron. Capaz que creyeron que era el hueveo de una tarde y nada más.
Tomás: Pero el proyecto siguió.

Plan B: ¿Cómo entró Freddie a la banda? Ya que partió siendo un galleta más ...
Tomás: Freddie estuvo desde la 5º sesión (At Puros Monos Qliaos With Salame Presbiteriano Sodoma Chino Navarrete (La Mansa Cachaita - 2009)). Venía con todos los antecedentes de que había tocado con KPFF, que está igual de mal de la cabeza que nosotros, que toca muy bien la guitarra y que también tiene pena por dentro.
Pobla: (Risas)
Tomás: Después participó en la 6º sesión parte 3 (At Cochabamba Huevitos De Pascua Verga De Tue Tue (La Mansa Cachaita - 2009)) y apañó en otras cosas.
Pobla: Además vive cerca de La Mansa Cachaita.
Tomás: Así que lo convencimos de que se uniera. Ahora es un miembro fijo de la banda aunque con un rango menos.
Freddie: Como soldado raso. Y pongo plata para comprar comida.
Plan B: Cosa que no hay hoy día.
(Risas)

Plan B: Uds. grabaron su primer material audiovisual: El Sueño de Julio. ¿Cómo fue la producción? Ya que el video es muy bizarro, supongo que fue también caótica.
Tomás: El Sueño de Julio fue un proyecto que tuve que presentar para un ramo en la carrera en el que tenía que hacer un cortometraje con temática y técnica libre. Y automáticamente pensé en tAmC?.
(Freddie se tiene que ir por problemas personales. Según Pobla, se tuvo que ir a limpiar el trasero)
Tomás: Fue una noche completa de grabación y edición. Fue pa'l pico, pero el resultado fue bastante entretenido, quedamos conformes porque representaba el perfil de lo que hacíamos.
Pobla: La hicimos en dos partes. La primera parte (intro y final) fue más hecha por Tomás, mientras que yo hice la segunda parte (mitad bizarro). La edición fue un proceso completamente random, la primera huevada que se pasara por la mente la grabábamos.
Plan B: ¿La Canción la hicieron ustedes?
Pobla: Sí. Material completamente producido por nosotros.

Plan B: Hoy día estamos en la grabación de su décima sesión (At Fornication (La Mansa Cachaita - 2010)), ¿Qué se nos viene?
Tomás: Esta sesión tiene mucho contenido caótico, es la primera vez que mi violencia llega al punto de romper algo. Tiene cosas musicales, cosas lindas.
Pobla: Y estrenamos nuevos instrumentos. Tenemos flauta traversa, theremin, samples.
Tomás: Se viene una versión renovada de un clásico de la banda, está bastante buena.
Pobla: Y también estrenamos galletas nuevos (Pollo y Danilo), que son de los pocos en mi universidad que admiran nuestra huevada (en el resto de las universidades es como "Buena, Chao").

Plan B: ¿Algún concierto o podcast en vivo?
Tomás: Sí. Teníamos planeado hacer otro podcast para mitad del segundo semestre donde se supone va a estar nuestro galleta Leo (Leonardo Cortés). Lo que sí va a ser un poco más corto porque nos reclamaron que el primero era muy largo (Live At Movimiento Telúrico Alberto Plaza (La Mansa Cachaita - 2010)). También uno de nuestros proyectos más ambiciosos es que sacaremos nuestro primer álbum con nuestras mejores canciones de las distintas sesiones grabadas profesionalmente en un estudio legal. Capaz que sea un disco doble, porque va a venir con una sorpresa, un B-Side que promete.
Pobla: Sobre la tocata en vivo, lo más probable es que nos juntemos con Julio Videla y Los Esperpentos en este verano y hagamos algo en conjunto. Lo mismo puede pasar con Mosaicodemia que también estaban de acuerdo.

Plan B: ¿Qué se viene para tAmC? ¿Cuál es el futuro de la banda?
Tomás: Bueno, hay una discusión grande porque sabemos que esta huevada no nos va a dar para alimentar.
Pobla: (Risas)
Tomás: Pero con Pobla hemos decidido seguir con la banda, cambiar un poco el lenguaje para hacerla un poco más asequible a la gente, no ser tan pretenciosos para mantener un proyecto tan underground pero lo suficiente para lograr comunicar lo que se quiere.
Pobla: Por un lado se quiere seguir con las sesiones, improvisaciones y podcasts; por otro lado, se quiere grabar un álbum profesional con nuestras mejores canciones. Lo único seguro que tenemos decidido es continuar con la banda y mantener su línea: decir lo que se nos ocurra, groserías, cosas bizarras y sin sentido, cero técnica ..., mantener esa línea porque si no, no sería tAmC?. Tal vez si hiciéramos un proyecto musical más técnico, sería distinto pero no sería tAmC?.

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Arcade Fire - The Suburbs [2010]

noreply@blogger.com (Chiko) — Sun, 01 Aug 2010 03:43:00 +0000

Arcade Fire - The Suburbs (Merge - 2010)

Nota: 9.6/10

Lo Bueno: El Disco Más Accesible de Arcade Fire a la Fecha, Excelente Carátula, Muy Buen Juego con Estados de Animo, Potente y Bien Producido, Innovador, Excelente Instrumentación, Buena Combinación de Géneros Musicales, Buen Final.
Lo Malo: Un poco largo.

Hoy en día el rock es cosa seria. Falto de ideas innovadoras, se decidió seguir la línea de los revival (The Strokes (Garage Rock), Interpol (Post-Punk), etc). El rock comercial se ha visto mermado por las bajas ventas, mientras que las bandas independientes han decidido continuar la escuela de revivals y acordes simples (por ejemplo, Wavves continuó con su sonido noise de acordes simples en King Of The Beach (Fat Possum - 2010), mientras que debuts como Crazy For You (Mexican Summer - 2010) se inclinan por un revival del rock playero de los 60's).

En este escenario es donde aparece nuevamente Arcade Fire. La banda que ya había revolucionado el mundo de la música popular con el, según Plan B, mejor disco de la década anterior, Funeral (Merge - 2004), volvió con The Suburbs, su tercer disco y uno de los más esperados del año.

¿Qué trae de nuevo The Suburbs? Todo. Es un disco excelente producido que se desliga de su pasado y serio Neon Bible (Merge - 2007) para encontrar un sonido mucho más enérgico, que aprovecha mejor las energías de cada uno de los músicos en esta numerosa banda para traer música muy fresca, potente, densa en capas y mucho más cercana y "amigable" que sus discos anteriores (y eso sí que Funeral es un disco muy digerible). Esta combinación de características da como resultado un disco completo e innovador (para el actual sonido del rock).

En general se trata de un sonido que resulta de la combinación de estados de ánimos entre Funeral y Neon Bible, e influencias muchísimo más "alegres". Los ritmos son más rápidos y las armonías son mucho más dulces que su último disco. Ejemplos son varios, como "The Suburbs", "Ready To Start" o "Empty Room". También deja espacio a baladas y temas más lentos (jamás cayendo en completa oscuridad como en su disco anterior), como por ejemplo "Half Light I" o "Suburbian War". En el caso de la primera canción, el eco se transforma en otro instrumento más, llenando un universo de capas completo en el que se encuentran guitarras, chelos, bajos, violines, piano, voces masculinas y femeninas por parte de la pareja de Win Butler y Régine Chassagne y efectos de sintetizadores. La combinación de estados de ánimos le da un dinamismo que se extrañaba en el rock establecido.

La instrumentación es potente, recordando en partes la emocionante forma de tocar de Funeral. Hay canciones con secciones complicadas pero muy bien interpretadas (el "shred" de violín en la introducción de "Empty Room" es espeluznantemente bien ejecutado), estructuras complejas (como el ritmo de "We Used To Wait") y armonías inteligentemente desarrolladas (como la melancólica "Suburbian War" o "City With No Children"). Pero sin dudas lo mejor logrado es la capacidad de tocar enérgicamente sin quebrarse (que es lo que pasaba en Funeral), lo que demuestra un crecimiento musical a lo largo del tiempo. Esto último se demuestra en las canciones más enérgicas del disco.

Las influencias que alimentan a "The Suburbs" son numerosas, lo que aumenta el dinamismo. Se pueden encontrar excelentes muestras de rock ("Month Of May"), temas inspirados en el folk ("Rococo", "Wasted Hours"), guiños al rock con sintetizadores ("Half Light II (No Celebration)", "Sprawl II (Mountain Beyond Mountains)"), baladas ("Sprawl I (Flatland)"), y mucho más. Lo interesante es que no caen jamás en los clichés de estos estilos, sino que se pasea por ellos y usa lo mejor de cada uno para desarrollar el trabajo.

The Suburbs se trata de un álbum emocionalmente estable (cosa que no sucedía ni con Funeral ni con Neon Bible), logrado principalmente con ayuda de mayores conocimientos musicales y la resiliencia de los miembros de la banda (capacidad ganada con el tiempo). La estabilidad lograda hizo que la producción se viera afectada para bien, provocando con ello una transmisión de mensaje mucho más fluyente y clara que en los discos anteriores (la esperanza de Funeral y el dolor de Neon Bible). Además, se logró que la banda supiera controlar la potencia a la hora de tocar, cosa que tampoco pasaba en los discos anteriores, capacidad que hizo que la banda al fin pudiera demostrar mejor su música.

La producción del disco logró una redondez que siempre se buscó. Los temas tienen un común denominador y se expanden para darle introducción al siguiente. Esta redondez se sella con el fabuloso final, "The Suburbs (Continued)".

La recomendación de Plan B: escuche el disco de corrido. The Suburbs toma un especial significado escuchándolo completamente, debido a que el sonido encontrado es único y la redondez ayuda a comprender mejor cada tema y el disco completo. The Suburbs explora un sonido extraño para la banda, pero que resulta ser el más cercano y gratificante que pueda haber producido.

Arcade Fire - Month Of May

Arcade Fire - The Suburbs

Arcade Fire - Ready To Start

Arcade Fire - Empty Room

Sleigh Bells - Treats [2010]

noreply@blogger.com (Chiko) — Sun, 25 Jul 2010 05:34:00 +0000

Sleigh Bells - Treats (Mom + Pop/N.E.E.T - 2010)
Nota: 8.6/10

Lo Bueno: Entretenido, Muy Buena Mezcla Musical, Excelente Trabajo de Programación, Buena Post-Producción, Bastante Inspirado y Energético.
Lo Malo: Muy Plano y Derivativo, Pobre En Conceptos Musicales.

Antes de referirse a Sleigh Bells hay que, necesariamente, referirse a M.I.A. Considerada la "diva tercermundista" por la prensa británica, esta artista de origen tamil (minoría étnica de Sri Lanka) lanzó dos placas que hoy son consideradas dentro de los mejores trabajos de la década anterior: Arular (XL - 2006) y Kala (XL - 2008), de los cuales se derivan dos canciones muy populares: "Galang" y "Paper Planes" (esta última utilizada en la película "Slumdog Millonaire" tanto en su versión original como en remix). El sonido de M.I.A. se debe principalmente a sus dos máximos colaboradores: Switch y Diplo, dos DJ's inspirados en el dub y la música africana para forjar los cimientos del new rave y dubstep de final de la década. En grandes líneas, se trata de un sonido que le da gran preponderancia al bajo y los sintetizadores, de caracter minimalista y con acotaciones de instrumentos del mundo (como timbales africanos, sitaras, congas, etc.) que le dan aún más poder a las frecuencias bajas, convirtíendola en un sonido aplastador.

¿Por qué necesitamos referirnos primero a M.I.A.? Porque Sleigh Bells es la primera banda del sello iniciado por ella (N.E.E.T). Alexis Krauss (cantante) y Derek Miller (programación y guitarra) son los cerebros detras de este proyecto que se decanta por un sonido que mezcla una infinidad de géneros. Desde el hardcore punk de baja fidelidad, pasando por la música bailable, "bubble-gum pop", noise (mucho noise), funk, pop independiente, rave y un largo etcétera.

Treats es el debút de esta banda, que ha sido aclamada principalmente por toda la energía desbordada a través de los gritos y cantos "estilo cheerleader" de Krauss, tanto como la programación y producción orientada al noise de Miller. Esta mezcla explosiva junto con un puñado de líricas bastante sucias le dan vida a un disco que aparenta ser inocente, pero se convierte en un monstruo desde los primeros acordes de guitarra.

"Tell 'Em" comienza con la guitarra sonando triunfante, iniciando desde el segundo 0 con un sonido peculiar. La voz de Krauss le da tono mayor (y por lo tanto, dulce) al tema, que transforma la introducción en el riff, agregando un par de sintetizadores y una percusión "al estilo M.I.A." en un tiempo corto. Las líricas son cuento aparte, ya que parte indiscretamente hablando de las nuevas generaciones para luego sacar en cara las imperfecciones y espectativas bajas a las que optan.

El disco explota en general un sonido jovial y "deportivo". El canto y voz de Krauss da la sensación de dirigir un grupo de cheerleader. Por ejemplo, "Kids" posee una percusión retumbante, con claps distorsionados y sintetizadores programados de tal manera que el golpe de percusión fuera aun más destellante. Otro ejemplo es "Riot Rhythm", la cual sobresale por el modo de canto de Krauss (donde en el coro canta como porrista) y por la guitarra (que recuerda mucho a las guitarras poderosas de Jack White en Elephant (V2 - 2003), uno de los mejores discos de la década según Plan B).

"Infinity Guitars" es una de las joyas del disco. La sexy introducción invita a escucharla, transformándose luego en la canción más noise del disco. El modo de canto de Krauss recuerda bastante a las canciones cyberpunk de Crystal Castles, mientras que la canción en sí va tomando cada vez más fuerza con la adición de más partes de la percusión (primero son un kick y claps, luego se agrega un pandero y al final la batería completa hace pedazos).

La inspiración del disco nace principalmente de la colaboración con M.I.A. en su último disco, Maya (XL - 2010), lo cual le dió el coraje a la banda para grabar el disco sin ayuda de otro productor. Y el sonido actual de M.I.A. se hace presente en "Run To The Heart", con sintetizadores a máxima intensidad, percusión distorsionada para dar el toque noise y la voz plana de Alex que canta dando a la canción el tono menor que calza perfectamente.

Los dos hits indiscutidos del disco son "Rill Rill" y "Crown On The Ground". La primera utiliza un sample distorsionado por la intensidad de Parliament Funkadelic cantando una verdad incómoda ("Wonder what your boyfriend thinks about your braces ..."), donde Alexis Krauss se luce con una interpretación bastante limpia y sexy. La segunda suena como un verdadero himno deportivo, donde se muestra la puesta en escena más enérgica de la banda en el disco. El preámbulo a los versos es tan escalofriantemente fresco y ruidoso que no deja a nadie indiferente (más bien polarizados).

La influencia hardcore punk se hace presente tanto en la corta duración de las canciones (ninguna sobrepasa los 4 minutos), como por el sonido bajo filedigno y como por las líricas que hablan verdades incómodas. Y en general es la tónica de Treats, un disco que se basa única y exclusivamente en experiencias anteriores para moldear un "género nuevo". Sin dudas es un gran debut, aunque se le podría haber sacado mayor partido a muchas canciones agregando algunos detalles.

Sleigh Bells - A/B Machines

Sleigh Bells - Rill Rill (Demo)

Sleigh Bells - Tell 'Em

Brian Wilson - SMiLE [1966 - 2004]

noreply@blogger.com (Chiko) — Wed, 21 Jul 2010 04:57:00 +0000

Brian Wilson - SMiLE (Nonesuch - 2004)
Nota: 10/10

Lo Bueno: Obra Maestra, Excelentes Conceptos Musicales y Artísticos, Muy Buena Interpretación Musical y Vocal, Uso avanzado de Teoría Musical, Excelentes Arreglos Orquestales y Vocales, Muy Buenas Líricas.
A Mejorar: En general, un gran disco.

Brian Wilson debe ser uno de los genios más importantes en la música popular en general (junto con su gran amigo, Sir Paul McCartney). Su trabajo como vocalista, pianista y principal brazo creativo de The Beach Boys llevó a la música popular a nuevas fronteras jamás exploradas, a través de excelentes composiciones que marcarían una época completa. No es por nada que los músicos y compositores más importantes y reconocidos hoy (los cuatro Beatles: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, Elton John, Lou Redd (The Velvet Underground), Brian Eno, Eric Clapton, Peter Gabriel (Genesis), Pete Townsend (The Who), Phil Collins, etc.) lo reconocen como uno de los rostros más importantes en la configuración del pop actual. Con trabajos legendarios del Surf Rock y la obra cúlmine de la música popular, Pet Sounds (Capitol - 1966), que luego inspiraría a The Beatles a componer Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Parlophone - 1967), generó las directrices que le darían forma a toda la música que escuchamos hoy en la radio (pop, rock, y en general, cualquier género no folklórico ni docto).

En 1966, decidió crear la continuación de lo que sería Pet Sounds, llamada SMiLE. Días completos de grabación con sesiones poco convencionales (en los que llevaron animales al estudio para grabarlos, debían grabar vestidos de bomberos, incendios intencionales, etc.), además del frágil estado mental de Wilson (problemas mentales de paranoia y depresión, además de adicción al LSD y la marihuana) provocaron tensiones al interior de la banda, excluyéndolo de la producción (y luego de la banda). La discográfica les quitó el apoyo, por lo que el disco jamás se terminó. En vez de aquello, lanzaron un álbum recopilatorio llamado Smiley Smile (Capitol - 1967) que reunía un grupo de canciones que se terminaron de grabar.

Después de 40 años (entre los cuales se les diagnosticó esquizofrenia, tuvo problemas legales con Mike Love de The Beach Boys por los derechos de las canciones y se separó de su esposa), junto con Van Dyke Parks (principal liricista de SMiLE) y Darian Sahanaja (The Wondermints) decidieron resucitar esta vieja leyenda, contando con la ayuda de numerosos músicos de todo el mundo (por ejemplo, los instrumentos de bronce pertenecían a una orquesta sueca). Casi seis meses de ensayos intensivos hicieron que esta nueva versión de SMiLE (tambien conocida como "Una sinfonía juvenil para Dios") se grabara en tan sólo cuatro días. El resultado: la resurrección de uno de los mejores álbumes de la música popular.

Críptico, conceptual, único en su especie. SMiLE lo tiene todo, desde excelente interpretación, muy buena música, conceptos (no sólo uno) interesantes, líricas espectaculares y arreglos muy potentes, que dan la impresión de un trabajo muy bien producido y grabado. La voz de Wilson (si bien suena un poco más vieja) aún se mantiene activa, dándole ese toque "infantil" a la música. La calidad de grabación es genial, debido a que no pierde esa esencia AM, pero nunca exagera. Los músicos hacen muy bien su parte, cohesionando todo el disco de tal manera que se sienta como una gran pieza artística más que un conjunto de canciones olvidadas.

¿Tan así? Parece la panacea. Veamos:

"Our Prayer" sirve como introducción al disco. Al más puro de The Beach Boys comienza con armonías vocales bien planteadas, con tonos y puestas en escena casi ecuménicas, dándole una especial introducción a "Gee", la segunda parte de la introducción, la cual le da el ritmo y estética jovial que el disco trabajará.

"Heroes And Villains" (como la mayoría de las canciones) se desarrolla en muchas partes de pequeña duración. Cada sección es distinta a la anterior, con ritmos diferentes, instrumentos cambiantes, armonías distintas, estados de ánimo cambiantes, etc. Se trata de una estructura poco confortable para trabajar, pero Wilson realiza un excelente trabajo de composición musical ya que las piezas jamás pierden coherencia. Y acá el trabajo de la banda soporte es esencial: perfecta cohesión, sin desafinar ni perder ritmo muestra el exhaustivo trabajo detrás de la reconstrucción.

Originalmente "Banyard" agregaba verdaderos sonidos de animales (grabados en el mismo estudio). Lo interesante de la reconstrucción es el sonido de animales que hacen los distintos músicos, los cuales quedan bastante acordes (y casi reales) a la situación. El cover de "You Are My Sunshine" (de una canción de los 50's) significó mucho para Wilson, donde se escucha sentimental y conectado con el pequeño fragmento.

La última canción de la primera parte (el disco se divide en tres de la cual destaca la tercera parte, de los elementos, de la cual se hablará luego) es "Cabin Essence". Se trata de la canción más enérgica, donde el trabajo vocal es innegable y la estructura es innovadora (una de las canciones más innovadoras de The Beach Boys). La canción es lo más cercano a una sinfonía (principalmente a la estructura sobria de los versos y la explosión del "coro"), aspecto que Wilson quería encontrar en su música.

La segunda parte comienza con "Wonderful". Esta segunda parte se siente como una única canción, donde se destacan varios aspectos interesantes: en primer lugar, la letra a cargo de Van Dyke Parks, donde deben estar sus mejores líricas (colocar un fragmento de "Wonderful" acá). Otro punto a favor es el ascenso rítmico progresivo. Parte muy lentamente con "Wonderful" y alcanza su punto más enérgico en "Child Is The Father Of The Man". Otro aspecto genial es la reutilización de ideas de secciones anteriores. Por ejemplo, en "Song For Children" se escucha el xilófono haciendo la misma sección que se escucharía luego en "Good Vibrations".

Esta segunda parte termina con "Surfs Up", la canción favorita de Brian Wilson del disco. Se trata del punto más álgido y potente de esta parte, donde Wilson se siente completamente conectado con la música. La voz soprana (que emula a un Carl Wilson joven) le da más atmósfera a una canción la cual posee de principal arma el sentimiento. Un cambio melodramático que le da cabida a los instrumentos de cuerda suma aún más profundidad al tema, el cual termina con una entonación completa de la banda, cierra con broche de oro esta parte.

La tercera parte es la de los elementos. "I'm In Great Shape/I Wanna Be Arround/Workshop" y "Vega Tables" son las canciones de tierra, "On A Holiday" y "Wind Chimes" son las canciones de viento, "Mrs. O'leary's Cow" es la canción de fuego y "In Blue Hawaii" y "Good Vibrations" son las canciones de agua.

Lo más impresionante de "Vega Tables" son dos cosas: la percusión y la zanahoria. Sobre esto último, se trata de una grabación hecha por Paul McCartney comiendo una zanahoria. El trabajo de los músicos es de lujo, en especial es percusionista, quien debe hacer todo el trabajo de tocar las casi 30 piezas que se escuchan. El concepto de "Vega Tables" también es interesante, puesto que nació como inspiración para su futura hija (canción hecha en los 60's por si acaso), para que comiera vegetales y los disfrutara.

La reutilización de partes de otras canciones se nota más en "On A Holiday" que posee parte del riff principal de "Roll Plymouth Rock". Estos reciclajes no hacen más que hacer sentir que SMiLE se debe escuchar completamente. Se trata de un disco que es muy difícil de dividir en partes y que cobra todo su sentido al escucharse completamente.

"Mrs. O'leary's Cow" es la canción instrumental que ganó el Grammy en 2004 por "Mejor Canción Instrumental" (ganándole a Rush). Para alguien como Wilson, se trata de la canción más pesada del disco, con bajo profundo, acompañamiento de guitarra, violines emulando a sirenas, las voces con tonos desesperados, la batería haciendo especial interpretación al darle más profundidad a los toms y bombo. Wilson dice que la composición del tema fue bastante caótica, y quedó demostrada en la excelente interpretación hecha por la banda.

"Good Vibrations" es la única canción conocida de SMiLE (en los 60's). En realidad se trata de la canción más exitosa de los Beach Boys. La interpretación de Wilson es espectacular, le da la profundidad y tono épico que merece un clásico de la música popular. La banda por un momento se convierte en el resto de los Beach Boys, luciendo las mejores voces del disco.

Con este clásico termina SMiLE. Un disco que se pasea por la música y genera una obra general. Se escuchan las raíces de, absolutamente, todos los géneros musicales habidos y por haber. Un disco que nos recuerda que no importando la edad, siempre se puede hacer las cosas mejor. En pocas palabras, uno de los mejores discos de la música popular jamás hecho.

Brian Wilson - Our Prayer/Gee // Heroes And Villains

Brian Wilson - Good Vibrations

Brian Wilson - Wind Chimes

Ariel Pink's Haunted Graffiti - Before Today [2010]

noreply@blogger.com (Chiko) — Wed, 30 Jun 2010 02:00:00 +0000

Ariel Pink's Haunted Graffiti - Before Today (4AD - 2010)

Nota: 8.9/10

Lo Bueno: Carátula Icónica, Excelentes Composiciones, Muy Buenas Líricas, Muy Buena Mezcla de Estilos, Crecimiento Musical de Ariel Pink, Excelente Mezcla y Producción.

Lo Malo: Temas de Líricas Incongruentes, La voz de Ariel Pink debería ser épica.

Ariel Pink y su banda soporte (The Haunted Graffiti) grabaron Before Today en el House Of Blues, mientras que la masterización de "Round And Round" se hizo en el legendario Abbey Road. ¿Coincidencia? No. Ariel Pink's Haunted Graffiti estaba preparando una obra maestra del pop. Considerado por él mismo como su primer disco (luego de haber grabado cuatro discos de manera independiente en su casa y relanzados por el sello discográfico de Animal Collective), se alejó un poco de sus intenciones lo-fi (donde hasta hacía beatbox para acompañarse) para crear (o recrear) canciones pop en todos los sabores posibles (desde baladas pop muy parecidas a las lanzadas en Rumours (Reprise - 1977) por Fleetwood Mac, pasando por riffs muy parecidos a los de Thriller (Epic - 1982) de Michael Jackson, para llegar a un glam rock digno de Van Halen.

A través de estructuras muy minimalistas y rudimentarias, se dedica a explorar el mundo de la música ochentera, mezclando sus influencias más importantes (y que estaban muy marcadas en sus discos independientes) con aportaciones del resto de la banda. El resultado es un álbum plano y directo. No intenta lograr un sonido épico a través de la innovación mediante experimentación que rompa límites, sino que lo logra a través de experimentación con cosas que ya estaban hechas (la constante de la década anterior, pero esta vez más explícitamente).

Pero no sólo acá la mezcla es importante: es la producción atrás del álbum lo que dará la atmósfera para comprender esta joyita. En primer lugar, es necesario referirse al nuevo contrato con 4ad (que posee en su cartera a bandas tan importantes en la escena independiente como TV On The Radio, The National, Deerhunter, Blonde Redhead y Camera Obscura, por nombrar algunos). Las posibilidades de encontrar un sonido más limpio eran muy altas, y no perdió recursos para lograrlo. Comparado con sus discos antiguos, se nota un sonido mucho más depurado, limpio, que le da gran énfasis a los agudos (órgano, voz, guitarra) dejando a la batería y bajo como motores de mantención (es cosa de escuchar canciones como "Can't Hear My Eyes" o "Frigth Night (Nevermore)"). La depuración de la atmósfera en general le dió el espacio suficiente para agregar efectos sonoros que amplificaran la sensación de eternidad y fortaleza que desearon. En el caso de "Frigth Night", los ecos, efectos de órgano y reverberaciones le dan el aspecto oscuro y sombrío a la canción, posibilitando una atmósfera que se repetiría en otras canciones.

Otro aspecto a considerar es el hecho de grabar en el House Of Blues. Los ingenieros de sonido que participaron en la grabación ya habían trabajado con bandas como Bill Withers, Seals & Crofts, Bread y Quincy Jones (¿se acuerda quién es?), por lo que la veteranía jugaría un papel crucial en el sonido final. El resultado es obvio: mayor preponderancia a las armonías, menor participación del ruido de la batería, voz reverberante con numerosos tintes, y en general, un sonido antiguo. "Round And Round" (que fue remasterizada gratuitamente en Abbey Road) es la joya en este aspecto. La estructura es mucho más arriesgada que de otras canciones, pero el resultado es el mejor de todos. Ningún instrumento ni sonido sobra. La mezcla es homogénea de principio a fin, la lírica es genialmente pegadiza, los arreglos musicales y efectos del órgano cumplen su objetivo a la perfección aumentando la presión en el coro y en el final. En conclusión, las tiene todas. Se trata de la misma fórmula que ocupó Gorillaz para humillar al pop establecido con Plastic Beach (Parlophone - 2009), pero llevada al extremo de parecer uno de esos éxitos que sus padres escucharían en la radio y la tatarearían. Esa arma se llama universalidad.

Y esa universalidad se logró mediante un ejercicio de escucha de todas las influencias de la banda. Y ninguna se quedó atrás: desde canciones pseudo ambientales como "Reminiscences" (que se parece mucho a "Oxygene (Part IV)" de Jean Michel Jarre), pasando por el rock más establecido en el excelente cover a "Brigth Lit Blue Skies", el glam rock ochentero con la muy poco sensible "Butt-House Blondies", canciones punks que se asemejan en sonido a The Ramones (en este caso, "Little Wig") y hasta funk de la costa oeste con "Revolution's A Lie". Pero ninguna canción está separada completamente: se trata de una homogeneidad dada por la excelente mezcla en la postproducción, quien le dió el sonido característico que se buscaba. Esto muestra un crecimiento bastante grande en la palestra de sonidos que Ariel Pink y su banda pueden alcanzar (en sus discos anteriores estaba limitado por el poder de su voz y el software).

Y para más remate, Douglas Lee (quien trabajó en las carátulas de Bitte Orca (Domino - 2009) de Dirty Projectors y del arte gráfico del celestial Merriweather Post Pavillion (Domino - 2009) de Animal Collective) creó una de las mejores carátulas de lo que va del año. Integrando imagen y sonido, la experiencia se vuelve mucho más placentera e integrada. No deja espacio para una segunda y errada interpretación, pero deja abierta todas las posibilidades de la banda. Tal vez les faltó mejorar la voz a Ariel Pink para encontrar el sonido más épico del año, pero Before Today se acercó al objetivo de, a través de simples argumentos, crear un disco fresco y a la vez eterno.

Ahora, ¿Qué habría pasado si Before Today hubiese sido lanzado hace 30 años atrás?

Ariel Pink's Haunted Graffiti - Round And Round

Ariel Pink's Haunted Graffiti - Brigth Lit Blue Skies

Ariel Pink's Haunted Graffiti - Can't Hear My Eyes